National Geographic es una de esas entidades icónicas en el mundo de la fotografía que ha tenido el placer de publicar algunas de las fotografías más famosas de las últimas décadas en su revista. Hace unos días, su Redactora Jefe, Susan Goldberg, explicaba cómo detectan las fotografías manipuladas en National Geographic.

La manipulación, más fácil que nunca

Con el reciente escándalo de Steve McCurry aún pululando por las redes, la Redactora Jefe de la publicación ha querido hacer gala de los procedimientos que siguen para certificar la veracidad de las fotografías que publican. A pesar de que personalmente creo que las fotografías son subjetivas desde el momento en el que el fotógrafo encuadra, hablaremos en este artículo de objetividad como la ausencia de una manipulación posterior de la imagen más allá de ajustes de color.

"En la era digital es muy fácil manipular una fotografía [...] así que es más difícil que nunca asegurarse de que las imágenes que publicamos, tanto en nuestra publicación como en nuestra página web, reflejan la realidad de lo que el fotógrafo vió a través de su visor". Sarah Leen, Directora de Fotografía de la publicación, destaca que "a veces no sabes si una fotografía es falsa, al menos no sin investigar un poco".

La fotografía ganadora del concurso que celebró Nikon con una trolley de premio.

El proceso de investigación que menciona Leen no es otro que indagar tanto en el archivo JPG como en el RAW. National Geographic aplicó políticas a sus fotógrafos a través de las cuales deben adjuntar el archivo RAW, el cual no es posible modificar por ser los datos extraídos directamente del sensor. El 'sello de autenticidad' de una fotografía lo pone el archivo RAW.

Como hay veces en las que el archivo RAW puede corromperse, perderse o simplemente no hay espacio para almacenarlo, Goldberg comenta: "si el archivo RAW no está disponible, preguntamos cosas detalladas de la fotografía. Si las respuestas nos parecen sospechosas, rechazamos la fotografía".

Los límites del retoque

Goldberg apunta a que en National Geographic se permiten unos ajustes muy reducidos respecto al color y al contraste: el objetivo es que la imagen represente lo que el ojo vé en ese momento, que es algo muy diferente de lo que capta la cámara.

National Geographic estipuló límites muy estrictos a los retoques desde que en 1982 manipularan una fotografía de unos camellos cruzando por delante de las Pirámides de Giza para encajar la fotografía al formato vertical de la portada. Los lectores no se tomaron nada bien el cambio, y la prensa se hizo eco de ello afectando a la imagen de la publicación.

La responsable de la publicación ha querido hacer pública su preocupación la veracidad de las imágenes, en parte, por la reciente caza de brujas que ha sufrido Steve McCurry con sus fotografías. "Tener la seguridad de que estás viendo imágenes reales es tan importante como tener la seguridad de que lees palabras reales", finaliza Goldberg.

Fotografía de portada | Shake It Off, de Michael Pachis

La gran cantidad de aplicaciones móviles dedicadas al campo de la fotografía hace que a veces no le prestemos la atención debida a algunas de ellas que realmente merecen mucho la pena. Es el caso de Adobe Photoshop Fix, lanzada el pasado octubre y que es una herramienta muy interesante para mejorar nuestras fotografías en cualquier lugar desde un smartphone o tablet.

Photoshop Fix no es sino una versión reducida del conocido programa de Adobe orientada en esta ocasión al retoque. De hecho la propia Adobe la define como “la potencia de retoque de Photoshop para todos, en todas partes”, ya que está orientada a algunas de las acciones más comunes de la herramienta de escritorio. Así, permite solucionar problemas como eliminar elementos que no queremos que aparezcan, quitar posibles manchas, reducir ojos rojos o pintar sobre la fotografía.

Primeros pasos

Pero pasamos ya a probar la herramienta y contaros qué es lo que ofrece. Una vez descargada desde iTunes (de momento no hay versión Android) e instalada en nuestro dispositivo, pasamos a abrir la aplicación y nos encontramos con las típicas pantallas de presentación con información sobre lo que se puede hacer con ella.

Para comenzar es necesario acceder con un Adobe ID, para poder conectar lo que hagamos con nuestros otros programas de la firma. Así, tenemos la opción de introducir nuestra credenciales de Adobe o bien registrarnos y crear una cuenta gratuita. Una vez hecho, accedemos por fin a la interfaz principal del programa. Una interfaz ciertamente minimalista que apenas tiene una barra vertical situada a la izquierda y una suerte de escritorio donde aparecerán los proyectos (y que ya tendrá dos de ellos que son tutoriales sobre el programa).

La barra de comandos se compone de tres elementos. Arriba un icono da acceso a los Ajustes, donde podemos encontrar las opciones de configuración. El apartado más destacado aquí es Preferencias, donde está lo relacionado con nuestra cuenta de Adobe ID, nuestro perfil o la posibilidad de conectar nuestro Facebook y Dropbox. Además, también nos informa del espacio local que estamos empleando.

Adobe promete que Photoshop Fix gestiona de forma inteligente la cantidad de espacio que ocupan los proyectos, y permite recuperar espacio cuando nos quedemos sin almacenamiento, acción para lo cual hay un comando llamado Liberar espacio.

Aparte de éste, también interesa mencionar un control concreto referido a la interfaz que podemos ajustar. Se llama Mostrar toques y no hace otra cosa que sobreimpresionar un círculo en la pantalla cada vez que hacemos un toque sobre ella para ayudarnos en el trabajo (y también para servir de referencia a quienes quieran grabar en vídeo tutoriales del programa).

Volviendo a la interfaz principal, en la parte de abajo de la barra tenemos un icono que únicamente sirve para decidir si queremos ver los distintos proyectos que tengamos en marcha uno a uno en grande o más pequeños (para visualizar varios al tiempo). Éstos, aparte del nombre, tienen dos iconos para poder borrar el proyecto o para entrar a editarlo.

Manos a la obra

En la parte central de la barra principal un signo "+" nos lleva directamente a crear un nuevo proyecto sobre el que trabajar, que es lo que vamos a hacer. Nos dará las típicas opciones para importar la imagen desde el propio dispositivo, desde Creative Cloud, Lightroom, Facebook, Dropbox o directamente desde la cámara.

Una vez elegimos una en concreto pasaremos directamente a la pantalla de edición que controlaremos con dos barras, una superior y otra inferior. En la parte de arriba veremos una serie de iconos que sirven para ver rápidamente los metadatos de la imagen o para acceder a las opciones de exportación de la imagen (guardar la foto en el dispositivo, enviarla a Photoshop CC, guardarla en Lightroom…).

Otro icono sirve para acoplar las capas, si es que así queremos hacerlo, teniendo en cuenta que Photoshop Fix trabaja aplicando todo lo que hagamos en capas de ajuste que luego se pueden modificar en la herramienta de escritorio. Por último, en la barra superior también están los típicos (pero imprescindibles) iconos de deshacer y rehacer y un último icono para ver la foto a pantalla completa.

Por su parte, en la zona de abajo tenemos otra barra con las opciones de retoque disponibles así como un icono, a la izquierda, para salir rápidamente de la opción sin aplicar cambios, y otro, a la derecha, que sirve para lo contrario, es decir aplicar los ajustes realizados.

Las herramientas con las que contamos comienzan por Recortar, que además de ofrecernos la opción de girar y voltear la imagen va más allá de lo esperado con la posibilidad incluso de ajustar la imagen a diferentes formatos (3:2, 16:9, 5:4…), siempre con un medidor de los grados de inclinación para facilitarnos la tarea.

La siguiente utilidad es Ajustar, que da paso al control de la exposición, el contraste y la saturación, permitiendo ajustes separados de sombras e iluminaciones. En todos los casos podemos realizar la edición acercándonos a la imagen con el gesto de los dedos típico de los dispositivos táctiles. Esto es especialmente útil para apartados como Licuar, que contienen herramientas ya conocidas de la aplicación de escritorio que en este caso se denominan Deformar, Hinchar, Molinete y Cara.

Las tres primeras no necesitan mucha explicación y se complementan con otra opción, denominada Restauración, que sirve para que con el dedo podamos deshacer a conveniencia y poco a poco los ajustes que hayamos hecho con las otras herramientas.

Además, hay que decir que para realizar todos los cambios tenemos que utilizar una pequeña barra de la parte izquierda donde podemos elegir el tamaño del área que aplica la herramienta, así como mostrar/ocultar una rejilla de ayuda para el trabajo. Esto para las herramientas de este apartado, porque en otros aquí también aparecen opciones para controlar la dureza o la opacidad del ajuste y un sombreado de color (que se puede activar o desactivar) que indica en qué zona se aplican los ajustes que estemos realizando.

El cuarto apartado, llamado Cara, sí que es algo más especial. Sólo se activa cuando hay rostros en la imagen (en caso contrario no sirve de nada) y permite ajustar los rasgos faciales de acuerdo a una serie de nodos que aparecen sobre el rostro para ajustar puntos clave como los ojos, la nariz, los pómulos, los labios y la barbilla haciéndolos más grandes o pequeños, girándolos, etc. Y aunque está pensado para ajustes pequeños para mejorar las fotos, jugando con ellos es más que factible llegar a la caricatura.

Pasamos ya al siguiente apartado del menú de edición, denominado Correción, donde encontramos otros herramientas clásicas de Photoshop como la corrección puntual, el parche, el tampón de clonar y el corrector de ojos rojos de los que no hay mucho que contar porque son de sobra conocidos. Lo mismo que las opciones de Redondear y Enfocar del siguiente apartado, que recibe el nombre de la primera herramienta citada.

El siguiente es Luz, en el que aparecen opciones para aclarar y oscurecer zonas de la imagen, así como el comando Estructura que realiza ajustes automáticos en la imagen por diferentes zonas lumínicas. Aquí también hay que decir que tendremos unos nuevos iconos, situados en la parte superior a la izquierda, en los que podremos modificar la opacidad de las capas y ver el antes y el después de los ajustes realizados.

Muy similar es Color, donde se trata de saturar o desaturar zonas incluyendo la opción Chispa que hace algo similar a la herramienta Estructura antes señalada aplicando más color a ciertos elementos con una gama tonal similar.

Y así llegamos al apartado Pintura, uno de los más creativos porque nos permite lo que su nombre indica, pintar sobre la imagen. Por supuesto con opciones para elegir el color a nuestro gusto (incluido el clásico selector de color) y aplicarlo con más o menos dureza, opacidad, etc.

Los dos últimos apartados son Desenfoque, del que no hace falta comentar nada porque es más que evidente, y Viñeta, que hace lo que su nombre indica con bastantes posibilidades para configurarlo. Y con esto hemos acabado con el repaso a lo que ofrece Photoshop Fix, una serie de posibilidades sin duda suficientes para realizar un retoque bastante completo de las imágenes. Siempre teniendo en cuenta que todo lo realizado se guarda como capas de ajuste y por tanto posteriormente se puede afinar la edición en el monitor del ordenador (con el programa "padre").

Nuestra valoración

Sin embargo, qué duda cabe que sin recurrir a este paso podemos conseguir imágenes acabadas a las que habremos aplicado un montón de ajustes de manera casi profesional pero de forma bastante sencilla. Otro tema es si queremos realizar ajustes muy concretos en zonas puntuales donde se echa de menos la precisión de la aplicación de escritorio y herramientas de recorte de la imagen y similar. Aún así, para ajustes generales y de zonas puntuales que no sean muy conflictivas es muy útil, con la ventaja de la movilidad que aporta el dispositivo desde el que se maneja.

Manejo, por cierto, bastante intuitivo aunque cuesta un poco acostumbrarse al principio a cosas como la forma de aumentar el tamaño de los pinceles y similares, algo que desde nuestro punto de vista es mejorable. Además uno se encuentra un poco perdido con algunos ajustes, ya que sólo hay una brevísima explicación de las herramientas que aparece aleatoriamente (o eso nos ha parecido) y, por otro lado, no hay un manual donde se explique de forma detallada para qué sirve cada cosa.

Por otro lado, es necesario algo de práctica para acostumbrarse a manejar todo con los dedos y a veces esto implica que apliquemos alguna corrección sin querer cuando, por ejemplo, lo que pretendíamos era hacer zoom sobre la imagen.

Esto es especialmente importante si estamos manejando imágenes de cierto tamaño. Y es que, aunque Adobe promete que es capaz de editar imágenes de alta resolución de hasta 64 megapíxeles sin que el dispositivo se bloquee o ralentice, nosotros lo probamos con una foto de 4928x3264 píxeles y 16 Mbytes de peso y sí que tuvimos problemas de agilidad. Nada grave pero indicativo de que manejar archivos de mucho peso no va a ser lo mismo que retocar fotos de baja resolución que simplemente queramos compartir por nuestras redes sociales.

Por ultimo, mencionar que esperamos que pronto aparezca la versión para dispositivos Android. No debería tardar mucho dado que ya en octubre, cuando se presentó Photoshop Fix, se decía que la versión para móviles con sistema operativo de Google saldría pronto, pero el caso es que hoy por hoy sigue reservada sólo para los usuarios de dispositivos con sistema operativo iOS.

Más información | Adobe Photoshop Fix

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El licuado es una de las herramientas más polémicas y potentes de Photoshop, pero lo cierto es que es necesario tener un conocimiento profundo y mucho tacto para sacarle el máximo partido. También es necesario saber cuando realizar el licuado para obtener la máxima versatilidad, por lo que hablaremos del orden que debería ocupar en nuestro workflow.

Las herramientas del licuado

Las herramientas del licuado se dividen en tres grupos. El primero se compone del clásico 'dedo deformador' y las pertinentes herramientas para rectificar esta deformación; en el segundo se engloban las herramientas para enrollar, contraer o dilatar la malla además del empuje para crear deformaciones en curvas; el tercer grupo agrupa las potentes herramientas de máscara para nuestros licuados.

Deformar hacia adelante, reconstruir y suavizar

Deformar hacia adelante es la herramienta más usada del licuado, nos permite empujar una zona de la imagen hacia la dirección hacia la que arrastramos el ratón. La incidencia del arrastre está pondera del centro a los extremos lo que quiere decir que en distancias pequeñas, la malla del centro se deforma más que la de los extremos. Es posible cambiar este comportamiento a través de la herramienta 'densidad del pincel', aunque yo prefiero mantener este valor a 50 en la mayoría de los casos.

Lo normal es que no tengamos que reconstruir una deformación, pero en caso de que tengamos que hacerlo, podemos hacerlo apretando la E y entrando en la herramienta 'reconstruir'. Suavizar hace la misma función, pero de forma muy progresiva por lo que podemos corregir de forma muy suave la malla.

Por ejemplo, podríamos darle más volumen a un cabello pero si nos sobrepasamos, podemos emplear el suavizado para rebajar la intensidad de esta deformación.

Remolino, desinflar, inflar y empujar

El remolino no lo veo una herramienta que podamos emplear para el retoque de retratos y supongo que tiene una finalidad creativa para diseñadores o ilustradores, por ejemplo, para crear agua con sus ondas.

En cuanto al inflado y desinflado, las aplicaciones más directas suelen actuar como modificadores del cuerpo, como adelgazar zonas del cuerpo e inflar otras como el pecho o la redondez del trasero. El funcionamiento es complicado y hay que tener en cuenta que inflar hace que la malla se dilate del centro y el desinflado contrae la malla del centro lo que provoca deformaciones en las proporciones del contenido respecto a la forma. Por eso, os recomendaría realizar estas modificaciones a mano con el deformado clásico.

Personalmente, suelo usar inflar/desinflar cuando quiero cambiar las proporciones en una fotografía como por ejemplo, cuando una fotografía se nos angula demasiado al emplear grandes angulares. Para cambiar la forma de un cuerpo o una cara, prefiero emplear el dedo clásico ya que movemos tanto la forma como el contenido.

La herramienta de empuje hacia la izquierda es algo así como un modificador en cruz ya que si arrastramos hacia arriba los píxeles se mueven hacia la izquierda, si lo movemos hacia abajo se desplazarán hacia la derecha, si lo hacemos hacia la izquierda movemos los píxeles hacia abajo, y si movemos hacia la derecha, los movemos hacia arriba. Estos controles se invierten si mantenemos apretado el botón ALT. Cuando usemos el empuje es muy recomendable mantener la densidad y la presión muy bajos ya que es una herramienta muy potente.

Máscaras

Las máscaras son muy potentes para licuar sin alterar las formas colindantes. Lo malo de la máscara es que no ofrece un suavizado útil por lo que es difícil enmascarar con precisión. Para evitar que haya un corte de píxeles cuando licuemos la imagen, recomendaría usar una densidad y presión de 50 para conseguir una máscara que nos respete elementos zonas sin que los bordes queden mal.

El orden del licuado en nuestro workflow

El orden del licuado es muy importante. Hay quien dice que si estás muy seguro de lo que vas a hacer puedes licuar al principio, recomendaría dejar el licuado siempre para el final y guardar la malla para poder suavizar los ajustes en caso de necesidad. Personalmente, prefiero disponer las capas de ajuste sobre la fotografía original, licuar y guardar la malla modificada; de esta forma disponemos de las capas de ajuste y la malla modificada para suavizar o rehacer lo que nos haga falta.

En cualquier caso, yo siempre recomendaría el uso de la deformación de dedo clásica, dejando el resto de herramientas para situaciones donde nos sea imposible controlar de otra forma el resultado que necesitamos. En cualquier caso, lo importante es saber que podemos realizar pequeñas correcciones, sin caer en la manipulación fácil y exagerada.

Fotografía de portada | Pexels

Trabajar en RAW es uno de los consejos más comunes que siempre damos a los fotógrafos que quieren realizar fotografías más o menos serias. Sin embargo, hacemos poco caso de uno de los aspectos más importantes en el procesado de RAWs que es el procesado por zonas, así que os explicamos por qué es tan importante realizar ajustes locales antes de pasar nuestras fotografías a Photoshop.

Un fichero RAW es un archivo compuesto de una amalgama de datos que el sensor ha captado en el momento de realizar la fotografía, en él se encuentran 'datos al margen' que no se muestran pero que conforma ese fantástico margen de trabajo que todos los RAW nos ofrecen para estirar la información de nuestras imágenes (incluso desde móviles). Empleando ajustes globales no conseguimos optimizar el potencial de nuestros RAW y por ello debemos ser conscientes de la importancia del procesado por zonas.

La importancia del procesado por zonas

Está más que claro que para trabajar con archivos RAW, debemos hacer uso de Camera RAW, Lightroom o Capture One. Esto nos permite realizar ajustes locales donde podemos recuperar sombras, iluminaciones o modificar colores con mucha precisión y flexibilidad, pudiendo darle cualquier acabado que deseemos.

En Capture One y Lightroom es posible hacer uso del básico sistema zonal que el programa incorpora, pero en el caso de Camera RAW, si queremos editar por zonas nuestra fotografía debemos hacer uso de varios revelados completos buscando el tono perfecto para la zona concreta para después enmascarar las zonas que nos interesen en Photoshop. En el caso de Capture One o Lightroom, es tan fácil como seleccionar la opción del pincel y hacer uso de los pinceles A y B, mientras que Capture One lleva más allá esta opción incluyendo un práctico sistema de capas con el que podemos jugar.

El caso es que para un retoque en profundidad, prácticamente debemos realizar el procesado enmascarando a través de Photoshop, pero los pinceles para realizar ajustes locales pueden ser perfectos para conseguir un ajuste local adecuado si tenemos un altísimo volumen de fotografías que retocar o si no es un trabajo de máxima precisión.

Personalmente, para fotografía de modelos yo lo uso para corregir las dominancias en algunas partes de la fotografía o potenciar el color de los ojos o la ropa que aunque es información que se guarda en la parte central de la fotografía, podemos aprovechar mejor empleando la corrección local. Además, en términos de luminancia lo empleo para recuperar zonas muy quemadas tanto de luces como de sombras para crear una imagen más equilibrada.

En Xataka Foto | La profundidad de color en RAW y JPEG, a fondo

Retocar nuestras fotografías se basa en gran medida en saber gestionar el color y el contraste de las mismas. Sin embargo, en ocasiones empleando el formato RAW las imágenes queda lavadas, grisáceas y planas y no somos capaces de encontrar una solución efectiva para gestionar el contraste. Por eso, hoy os damos un pequeño consejo empleando el histograma con el que cuadrar los blancos y negros de una imagen.

¿Qué es el contraste?

En primer lugar, deberíamos saber qué es el contraste por definición. Es la diferencia entre el punto más negro de la imagen y el punto más blanco, lo que viene a decir que una fotografía sin una buena gama de grises suele ser una imagen contrastada. En el histograma, apreciamos que a la izquierda se disponen los tonos oscuros mientras que a la derecha se disponen los tonos blancos, mostrando las clásicas montañitas típicas de un histograma.

Estas montañitas nos indican la cantidad y fuerza de tonos que tenemos en una imagen según su lugar, y es también un indicador genial para saber más o menos si hemos acertado la exposición de una imagen, especilmente cuando realizamos sesiones exteriores diurnas y la luz del sol hace inútil la pantalla más allá que para previsualizar el encuadre.

Curvas y niveles, control total del contraste

¿Es óptimo usar la opción 'Contraste' de nuestro programa favorito para dar contraste? EN NINGÚN CASO. Esta opción 'estirará' los blancos y negros de forma equitativa, pero es posible realizar una fotografía con unos blancos perfectos pero que los negros estén en un feo tono grisáceo. Este caso es precisamente el que me pasa a mí, probablemente porque utilizo fuentes de luz muy difusas y por la idiosincrasia de disparar en RAW.

Para solucionarlo, invado ligeramente el histograma por la parte de los negros y en caso de ser necesario, hago lo propio con los blancos. Esto es posible realizarlo con las curvas o con los niveles, tan sólo debemos tomar como referencia el histograma que aparece de fondo cuando usamos la herramienta para deterimar la entrada de negros en el punto en el que empiezan a haber tonos negros en la fotografía.

No debemos pasarnos de rosca, porque darle más entrada implica que nos comemos más grises y las sombras empezarán a ser demasiado fuertes, y de igual forma pasará con los blancos.

¿Y si disparo en clave alta/clave baja?

Con este método empleando el histograma es posible cuadrar de forma muy fácil una fotografía, pero el histograma es una representación, no una regla matemática. Está claro que si vamos a disparar una clave alta o una clave baja, nos quedaremos sin negros o sin blancos respectivamente, por lo que este método no sería del todo válido para ese tipo de fotografías las cuales tienen unos contrastes muy particulares.

Tampoco deberíamos olvidarnos de los grises como elemento a procesar de forma separada en la fotografía empleando las zonas centrales de las curvas para conseguir un resultado óptimo en la totalidad de la fotografía.

Gracias a este sencillísimo proceso he notado una mejoría interesante en las fotografías, especialmente a la hora de darles peso y densidad gracias a controlar a partir de qué tonos entran los negros.

Fotografía de portada | Capture the uncapturable

Habitualmente, a la hora de procesar nuestras fotografías suele ocurrir que no tenemos mucho tiempo y tenemos que recurrir a un trabajo rápido y “sucio” pero que nos da resultados aceptables en un plazo muy corto. Para eso, es muy útil utilizar un programa “todo en uno” como Adobe Lightroom o cualquier otro similar (su más directo rival era Aperture desaparecido hace ya casi dos años).

Sin embargo, cuando nuestro propósito es obtener la mejor imagen posible, es interesante aplicar un flujo de trabajo mucho más pausado con una serie de pasos que debemos realizar correctamente, sin prisas y añadiendo además Photoshop al flujo de trabajo. El trabajo es similar pero la forma de tomar las decisiones y el tiempo que se dedica a ello no tienen nada que ver. Por eso es importante conocer cuál sería el mejor post-procesado fotográfico posible y cómo realizarlo de forma correcta y ordenada.

Por supuesto en Internet existen multitud de tutoriales (nosotros mismos os ofrecimos hace ya unos años un curso sobre Lightroom 4 que os recomendamos revisar) pero en esta ocasión nos hemos fijado en este tutorial de Tutsplus al que hemos añadido nuestros propios consejos.

Foto de Pexels

Antes de comenzar, el tutorial nos propone una serie de consejos previos. Lo primero es que deberíamos tener a mano una libreta para ir tomando notas sobre el proceso. Serviría también una app para tomar notas pero estar cambiando constantemente del programa editor de fotos al de notas puede ser un engorro y conviene estar centrado en las imágenes.

Por otro lado, si el trabajo se refiere a un lote de imágenes deberíamos realizar al mismo tiempo cada uno de los pasos con todas las fotos antes de continuar. Esto nos permitirá mantener la eficacia en el trabajo y nos ahorrará el quebradero de cabeza que puede ser intentar igualar el resultado de una imagen ya acabada con otra sin tocar.

1. La preparación de los archivos

El primer paso para un correcto post-procesado sería la preparación de nuestro archivo de fotografías, un trabajo mecánico y que puede resultar pesado pero muy necesario para que nada altere la oportunidad de desarrollar y expresar nuestro propio estilo fotográfico personal.

Para estos pasos os remitimos a artículos propios en los que tratamos la selección y organización de fotografías, además de consejos para optimizar Lightroom, y cómo actualizar metadatos y presets de versiones antiguas del programa.

Procesado de los archivos RAW

Los pasos clave en el postprocesado de archivos en crudo utilizando Adobe Lightroom y en el orden correcto serían (según este método):

• Ajustes predeterminados. Los que se aplican a todas las imágenes de forma predeterminada, incluyendo la calibración de la cámara y del objetivo y el perfil de color. Recuerda que al realizar la importación a Lightroom es posible hacerlo aplicando a las fotos unos ajustes previos que se aplicarán a todas las imágenes. Una posibilidad que puede ser muy interesante si utilizamos perfiles de nuestra cámara y/o objetivos que hayamos personalizado previamente.

• Balance de blancos. Como sabéis, este apartado se refiere al balance de color adecuado para la imagen. Y aunque hace tiempo os recomendamos que no conviene dejar de lado esta tarea en la toma de fotografías, muchos son los que no se preocupan de ello y dejan la tarea para la edición. Sea o no tu caso, siempre hay que mirar este apartado para asegurarnos unos blancos lo más reales posibles. Para ello, conviene utilizar el selector de balance de blancos (tecla W) para elegir un área de la imagen que debería ser neutra. Pero ojo que nuestra percepción nos engaña y a veces incluso podemos ajustar una imagen deliberadamente mal para conseguir un efecto más atractivo a la vista.

• Balance de color. Los colores de un tono medio son en realidad mucho más importantes para nuestra percepción de una fotografía que los blancos. Modificar el balance de blancos normalmente corrige estos tonos medios de color, pero si hubiera que ajustarlo, quizá es un trabajo más conveniente para realizar en Photoshop.

• Corrección de la exposición. De partida, ninguna imagen está perfectamente expuesta. Por eso, para mantener la mayor cantidad de información posible en la imagen hay que establecer el punto blanco y el punto negro de ésta. Para el blanco, hay que mantener pulsado Alt y arrastrar el control deslizante de Exposición (la imagen se volverá negra) hasta justo antes de que aparezca la imagen.

• Balance Negros. Del mismo modo, para establecer el punto negro, hay que mantener pulsado Alt y arrastrar el control deslizante de Negros (la imagen se volverá blanca) hasta justo el punto en que la imagen se vuelva totalmente blanca. Los apartados Recuperación y Relleno influyen también en la saturación, por lo que de momento no los vamos a tocar.

• Corrección de brillo y contraste. Las luces altas usualmente necesitan que les aplique algo de tono y a las sombras algo de separación. Los controles de Brillo y Contraste son formas perfectamente legítimas de trabajar, combinándolas con Exposición y Negros pero recomendamos utilizar mejor la Curva de Tonos que permite afinar el contraste utilizando un gráfico. Claro que de momento no la vamos a tocar tampoco en esta primera etapa.

• Claridad. La herramienta Claridad utiliza una cantidad baja de enfoque en un radio amplio, lo que hace que las luces sean más claras y las sombras más oscuras. Por eso si lo vemos necesario debemos utilizarlo con cuidado porque puede causar halos.

• Vibración y Saturación. Saturación afecta a todos los colores de la foto mientras que Vibración afecta más a los colores menos saturados. Juntos pueden usarse para dar color a una foto. Si buscamos un resultado uniforme recomendamos bajar un poco la Saturación y subir un poco la Vibración; si queremos un resultado “diferente” justo al revés.

• Detalle. Aplicar enfoque a una foto es sin duda algo necesario para lograr un buen resultado final pero es algo que se debería hacer localmente y teniendo en cuenta el destino final de la foto. Por eso, en Lightroom en principio no es recomendable tocarlo.

• Reducción de ruido. Dentro del apartado dedicado al detalle tenemos la reducción de ruido, algo que sin duda Lightroom sabe hacer bastante bien. El apartado Luminancia permite corregir los píxeles que han reaccionado mal al tono equivocado (percibido en las sombras como grano) y el Color corrige los píxeles que han reaccionado mal al color incorrecto, (típicamente percibido como manchas). Lo más recomendable es ajustarlo pero levemente para envitar excesos que luego pudieran notarse.

• Dividir tonos. Este ajuste controla el matiz y la saturación en las luces altas y en las sombras normalmente para agregar tonos más cálidos o fríos en estas zonas. En general no es un elemento que se deba tocar porque para resaltar un color es mejor usar el balance de blancos.

• Conversión Blanco y Negro. Hay varias formas de convertir una foto en color a una imagen monocroma. Algunas personas les gusta hacer la conversión en blanco y negro desde el comienzo pero quizá es un proceso que se debería dejar para una fase posterior (cuando decidamos si realmente queremos virar la imagen). En cualquier caso, si lo hacemos es conveniente utilizar la pantalla dividida de Lightroom (Mayúsculas+Y) para ver el antes y el después y así poder tener una conversión más acertada.

2. Evaluación de la imagen

Realizados los ajustes previos de las fotos, pasamos a una segunda fase de previsualización o evaluación de la fotografía con el fin de decidir qué vamos a hacer con ella y qué look le queremos dar. Como podéis imaginar, no es nada fácil ser capaz de imaginar el potencial innato de una imagen y saber qué le va a ir mejor. Esto es algo que se va aprendiendo con la práctica a lo largo de toda la vida en un proceso de aprendizaje permanente.

Foto de Pixabay

La cantidad de tiempo que se gasta en esta fase depende de cuánto tengamos y de la importancia de la imagen, pero cada minuto gastado es generalmente útil en comparación del tiempo que se puede perder realizando un retoque equivocado que al final desechemos.

Definir la imagen

Hacer una descripción conceptual y verbal de la imagen nos debería ayudar a entender y comunicar las ideas y emociones contenidas en la imagen. Para ello podemos recurrir a describir la foto pensando en nuestra posible audiencia y hacerlo como si la estuviéramos explicando a un niño de cinco años, empezando por el contenido y los elementos concretos del cuadro.

A continuación deberíamos describir los elementos abstractos de la imagen (estado de ánimo, sentimientos, relaciones psicológicas de personas y objetos en la fotografía…) y decidir qué es lo que hace a la imagen interesante. Por lo general, hay algo que hace que la imagen sea única, incluso aunque no fuera esta nuestra primera intención (las cosas casuales pueden ser las mejores) e identificarlo es algo que nos ayuda a enfatizarlo desde el principio.

Foto de Pexels

Decidir cuál será su propósito

Basándonos en lo que contiene la foto, es interesante identificar su potencial audiencia. Por ejemplo ¿la foto podría ser usada por una persona, un periódico, una revista o expuesta en una galería? En este punto tampoco deberíamos olvidar el contexto en el que la imagen puede llegar a figurar.

Decidir qué cambios hacer

En base a lo anterior, ya estaríamos listos para identificar qué es lo que queremos potenciar para conseguir una mejor foto. Así, éste sería el momento de decidir si hay que hacer ajustes adicionales en el brillo, el contraste, la saturación, la nitidez, etc.

3. Proceso de creación

Llega el momento de “construir” nuestra imagen. Para ello, por cierto, conviene marcarse los pasos que hay que realizar, empezando por los ajustes más generales y acabando por lo más fino, e incluso planear nuestros descansos. Teniendo en cuenta que trabajar en postproducción más de 20 a 30 minutos seguidos suele resultar improductivo porque el ojo es un músculo que se fatiga (por cierto, en los descansos nada de usar otras pantallas como la del móvil).

Foto de João Silas

La creación requiere de control y ajuste fino, pero es un trabajo que si se han hecho bien los procesos anteriores puede resultar muy gratificante. Es el momento de pasar a Photoshop (Control+E) para terminar de mejorar las fotos a través de dos herramientas principales: Las capas y los modos de fusión.

Capas

Las capas nos permiten construir la imagen final sin tener que alterar ninguno de sus píxeles originales y son la base del flujo de trabajo no destructivo de Photoshop. Hay varios tipos importantes de capas y herramientas relacionadas, algunas de la cuales vamos a citar a continuación. Por ejemplo las capas de ajuste que son realmente potentes porque con la combinación de sólo dos de ellas, como Curvas y Tono/Saturación, se puede cambiar totalmente el aspecto de una imagen.

Las capas de Curvas merecen una mención aparte porque con ellas se pueden modificar rangos específicos en los tonos de las fotos, lo cual es muy útil. Después de haber realizado la mayoría de los cambios globales en Lightroom, las curvas de Photoshop se utilizan mejor para aplicar ajustes selectivos a áreas particulares usando máscaras de capa. Además, los cambios de color también se pueden hacer con curvas, trabajando en los canales de color individuales.

Las capas de mapa de bits, como la de la propia foto, están basadas en píxeles y tienen un tamaño fijo pero las capas vectoriales son independientes de la resolución y por tanto poseen algunas posibilidades muy potentes para el retoque. Por otro lado, la posibilidad de agrupar las capas permite combinar y actuar sobre un conjunto de ellas como si fueran una sola (además de para ayudar a mantener nuestro trabajo organizado).

Por último, las máscaras de capa controlan selectivamente qué partes de una capa tienen efecto sobre la foto. Pintando sobre ellas con el pincel en blanco o negro podemos revelar u ocultar (respectivamente) partes de la imagen, y por supuesto también se pueden usar grises y filtros con las máscaras de capa.

Modos de fusión

Los modos de fusión controlan cómo se mezcla cada capa respecto a las que se encuentran debajo y, como sabréis, hay un montón de posibilidades englobadas en varias categorías. Los modos de fusión cambian la tonalidad mediante la interpolación de los valores de la imagen. Pueden ser complicados, pero conservan las relaciones tonales en la imagen de una manera que otros métodos no consiguen. Así, son una forma eficaz de compensar los cambios no deseados introducidos por otras capas de ajuste.

La forma más fácil de empezar a usarlas es simplemente ajustar la opacidad de la capa que, como sabréis, puede variarse desde el cero hasta el 100% y es una excelente forma de hacer ajuste fino con los efectos aplicados a las fotografías.

Como hemos apuntado en el caso de Lightroom, os remitimos a otros artículos para aprender a utilizar Photoshop con soltura.

4. La pre-impresión

Se trata del proceso necesario para obtener un archivo listo para la salida. La parte creativa del proceso da paso a un remuestreo y redimensionado, al ajuste fino local, a la adición de grano o a cualquier toque final necesario para hacer que la imagen funcione con el formato de salida final.

Para impresión, estos toques finales suelen ser ajustes de contraste y nitidez para adaptarse a las cualidades del papel y la tecnología de impresión que se utilizará. Para la web, normalmente implica la optimización y la compresión de un archivo grande para que no pese en exceso o se ajuste a los colores limitados que se usan en la Red.

Y aunque la preimpresión es una parte bastante rápida del proceso de postproducción general, es importante hacerlo bien y prestar atención al detalle ya que, sin duda, tiene un gran impacto en la calidad final de la imagen.

5. Salida

Como etapa final en la postproducción, la impresión es, en muchos sentidos, un proceso completo en sí mismo. Por supuesto no es lo mismo si las fotos van a ser utilizadas en Internet que si van a tener un soporte físico en papel. Si éste es el caso, hay que tener en cuenta que hay muchas maneras de imprimir, cada una con cualidades y desventajas (demasiadas para enumerarlas), pero cualquiera que sea el medio la impresión tiene unos mismos pasos generales:

• Conocer el medio de impresión. Ya sea una impresora de inyección de tinta casera o una que imprima carteles gigantes, cada proyecto tiene unas características diferentes que debemos conocer.

Foto de Masahiko OHKUBO

• Prueba de impresión. Como sabéis, la pantalla del ordenador no es nada fiable respecto a lo que realmente se verá cuando se imprima la imagen final. Por eso, la única manera de saber realmente el resultado es probarlo en su tamaño final y en el medio elegido.

• Evaluación de la prueba. Una vez realizada la prueba, es necesario analizar el resultado, a ser posible bajo las condiciones en las que se verá o expondrá. A partir de aquí podemos decidir si hay que hacer correcciones.

Foto de Pixabay

• Reimpresión. Si efectivamente había que hacer correcciones será necesario realizar una nueva prueba de impresión. Eso sí, depende del caso podríamos limitarnos a imprimir sólo la parte de la imagen en la que fuera necesario realizar los ajustes.

• Impresión. Una vez satisfechos con los resultados de las pruebas, llega el momento de mandar a imprimir, por fin, la imagen definitiva.

Volver a repetir el proceso

Y con esto hemos acabado aunque, como imaginaréis, el proceso nunca termina y siempre hay que volver a empezar para hacer lo propio con más fotografías. De hecho, este es un proceso que requiere de un largo aprendizaje pero que, a base de repetirlo, debería ayudarnos a desarrollar nuestra magia creativa.

Foto de Pexels

Esperamos que el método os parezca útil, pensando que sería algo así como el mejor método posible de postproducción de imágenes, desde el principio hasta el final, con sus fases de preparación de archivos, evaluación de las imágenes, creación, pre-impresión y salida. A todas ellas debería darse todo el tiempo necesario para obtener la máxima calidad posible en la imagen final.

¿Qué os ha parecido? ¿Creéis que sobra algún paso? ¿Quizá que falta algo? Como siempre, os agradecemos vuestra aportación a través de los comentarios.

En Xataka Foto | Curso: Aprendiendo con Adobe Lightroom 4

Foto de portada | João Silas

Giuseppe Pepe es diseñador gráfico de origen italiano pero afincado en Ibiza que ha creado el proyecto #LoosingMyMind en el que decapita a los igers que quieran formar parte de su proyecto. Este interesante proyecto pretende reflexionar sobre lo que es verdad y mentira, que el autor describe como un proyecto 'anti-beauty'

Fotografía de Giuseppe Pepe

Pepe describe #LoosingMyMind como un proyecto en el que pretende desmontar todas esas fotografías que de improvisadas no tienen nada: son imágenes diseñadas y fotografiadas para atrapar la retina del espectador y hacer que dé su like o un valioso follow. Cada escenario, cada pose o ese pequeño accesorios que aparece en la foto puede estar patrocinado.

Fotografía de Giuseppe Pepe

Para poner de manifiesto toda esta parafernalia tras la cámara, Pepe 'decapita' a los igers que quieren formar parte de este proyecto, manipulando la fotografía y creando un resultado igual o más llamativo que el original. ¿Son los fotógrafos de hoy unos 'cabezas huecas'? ¿vive la fotografía un periodo 'vacío' donde no se buscan discursos un poco más trascendentales? ¿es posible encontrar fotografías con discurso en una plataforma como Instagram?

Podéis ver el grueso del proyecto de Giuseppe a través de su página web, su muro de Instagram o su página de Facebook.

Sitio Oficial | Giuseppe Pepe

Muchos de los fotógrafos que apenas llevemos un lustro en esto de tomar imágenes hemos empezado a fotografiar mientras leíamos en blogs y foros que "lo más importante de una foto está en el retoque", "no te preocupes por una mala foto, luego en el retoque gana mucho". Estas frases hay fotógrafos que se las creen y las perpetúa vomitándolas al más puro estilo cuñado, pero la realidad es que para tomar mejores fotografías lo más importante es entrenar nuestro ojo y no aprender a retocar: empaparnos de referentes y conocer a fondo elementos tan básicos como el encuadre, la iluminación y el color.

La verdadera dimensión del retoque

El retoque fotográfico se encuentra sobrevaloradísimo. Muchos fotógrafos lo emplean como un 'todo vale' cuando no es así: a cada fotografía le encaja un estilo de retoque y si pretendes procesar una puesta de sol en blanco y negro porque te gusta eres libre de hacerlo pero así tan sólo demuestras una profunda ignorancia sobre la técnica fotográfica. Una fotografía casual no se va a convertir en una buena fotografía por muchos plugins de procesado de color que utilices. No te agobies, piensa más allá la próxima vez y mejora paso a paso.

La ansiedad por conseguir una buena fotografía hace que nos confundamos y no pensemos en los por qués: ¿por qué hago esta foto? ¿qué quiero contar con ella? ¿este tipo de retoque se corresponde con el tipo de fotografía que quiero conseguir? ¿los volúmenes visuales de la fotografía encajan armónicamente entre ellos? Fotografiar situaciones casuales y sin criterio hace que generemos una imagen sin sentido, en el que los elementos no encajan entre sí ni se elabora un discurso sobre el por qué hemos tomado una imagen o por qué hemos dispuesto los elementos de esta forma y no de otra.

Fotografía de René Burri

El retoque no es ni remotamente importante en una fotografía, lo realmente importante está en los 30 centímetros detrás de la cámara, como diría Ansel Adams. Todos los elementos de una fotografía deben tener sentido y enmarcarse no sólo en nuestra situación actual sino en los referentes que manejamos: ¿estamos realizando fotografías de corte clásico en estudio como uno de los retratos de Irving Penn? ¿queremos conseguir una iluminación policial a lo Terry Richardson?

Fotografía de Ansel Adams

Como he dicho, cada tipo de fotografía tiene su tipo de procesado y no podemos ignorarlo conscientemente. Podemos emplearlo, modificarlo con criterio y amoldarlo a nuestro estilo a lo largo del tiempo; un estilo en el que debemos trabajar no años, sino décadas, para conseguir llegar y perfeccionarlo a través de la experiencia y del entrenamiento del ojo, empapándonos del trabajo de otros fotógrafos. Cuanto más sepamos sobre nuestro contexto fotográfico e histórico, más y mejor podremos realizar nuestro trabajo

La importancia del bagaje visual

El bagaje visual es la parte más importante en la toma de una fotografía, que se fermenta antes de apretar el disparador por primera vez. De hecho, empieza antes de que te compres tu primera cámara: has visto imágenes que te gustan o que te han impactado y una pasión por crear objetos inmortales como esos te ha llevado a dedicarte a la fotografía profesionalmente o al menos quieres tomar buenas fotografías de aquello que te rodea.

Fotografía de M Kemal

Empaparnos de imágenes de otros con espíritu critico y analítico hace mejorar nuestra autocrítica, empuja nuestros límites creativos y nos envalentona a probar cosas nuevas. El tiempo que perdemos en encontrar el look instagramero ideal podríamos aprovecharlo mucho más investigando los estilemas que caracterizaban a otros grandes fotógrafos como Martin Parr para ver cómo otros fotografos le sacan partido a un día de playa.

Investigar la forma de pensar y trabajar de grandes fotógrafos nos ofrece no sólo una imagen psicológica de un fotógrafo sino también de cómo trabaja porque realizar una fotografía es un acto tremendamente personal en el que incrustamos nuestra propia huella psicológica. Asuntos tan profundos como la relación que tenemos con respecto a quien estamos fotografiando quedan impregnados en la imagen si sabemos leer estas claves.

Fotografía de Nancy

En definitiva, ningún retoque es lo suficientemente bueno para hacer una buena imagen de una mala fotografía y a su vez una buena fotografía apenas necesitará retoque para terminar de encajar detalles, lo que se traduce en menos tiempo delante del ordenador y más tiempo para seguir produciendo fotografías. El bagaje visual adoptado con espíritu abierto, crítico y analítico probablemente sea una de las cualidades más difíciles de conseguir y perfeccionar para un fotógrafo y esto se traduce directamente en mejores fotografías porque la fotografía no se realiza en el postprocesado, sino desde el momento en el que decidimos dedicarnos a la fotografía para crear y compartir nuestro trabajo.

En XatakaFoto | Por qué quejarse del retoque con Photoshop es una absoluta estupidez

Picturesqe es un programa relativamente novedoso que se centra en una etapa importantísima de la postproducción fotográfica que es ayudarnos a elegir y filtrar las mejores fotos de una sesión. Funciona a través de parámetros técnicos para ayudarnos a encontrar filtrar las fotos trepidadas, nos ordena las fotografías analizando los colores y los volúmenes de cada imagen y nos ayuda a descartar las que no nos interesan comparándolas.

Picturesqe es un programa que a través de un motor de análisis de imagen es capaz de indicarnos las mejores fotografías de una sesión. Puede sonar muy ambicioso, pero realmente lo que nos indica es que las fotografías tienen buena calidad técnica y nos califica de forma desfavorable las que están desenfocadas o no tienen una exposición correcta. Es decir, que a través de su motor detectará y calificará las malas fotografías para que nos demos cuenta de que esa fotografía tiene pocas probabilidades de pasar un primer filtrado técnico.

Importación, Selección y Exportación

Importación

Básicamente funciona de forma muy simple: se importan las fotografías de forma local, es decir, se crea una copia de tus fotografías en Picturesqe y se analizan. Según el volumen de fotografías, es posible que el primer paso tarde varios minutos.

Selección

En el segundo modulo llamado 'Select', tenemos un mosaico con todas las fotografías y una barra lateral que nos recita los detalles técnicos de las fotografías conforme las vamos pasando. Si dos fotografías se parecen mucho, el programa las agrupa porque entiende que hemos hecho varias tomas de una misma situación con pequeñas variaciones por lo que nos las agrupa para elegir la definitiva.

Si seleccionamos un grupo, podemos entrar para ver las comparaciones y cuando realizamos zoom con la rueda del raton, las fotografias sincronizan el zoom hasta el 200% para que veamos la misma porción en todas las fotografías.

Exportación

Tras la selección y el descarte de fotos, podemos exportar las fotografías en su archivo original, en JPGs o pasar la colección de fotos a Adobe Lightroom. Las opciones no son muchas y hay muy poco control sobre el cómo se exportan los archivos.

Premisas buenas, pero poco exploradas

En mi opinión, el programa tiene premisas muy buenas. El agrupamiento de fotografías muy parecidas es una idea genial, pero falla en que aún no está pulido ni ampliado lo suficiente más que para ser un plugin de Lightroom, no un programa independiente.

Para quien no quiera dejar sus programas habituales, Lightroom o Capture One ya cuentan con herramientas como las Colecciones o los Álbumes que nos permiten organizar bastante eficientemente nuestras fotografías antes que usar un programa dedicado a este propósito.

Quien quiera probarlo puede hacerlo a través de su sitio oficial a través de una versión de prueba y quedárselo por 10 dólares al mes, 15 al trimestre o 40 al año.

Sitio Oficial | Picturesqe

Trabajar el color en nuestras fotografías con un mínimo control no debería ser un quebradero de cabeza. Tanto si vamos a imprimir como a usar las imágenes en la web (o visualización en pantalla, en general) deberíamos tener un par de conceptos básicos que nos permitan retocar nuestras fotos para conseguir que los tonos que queremos se muestren como tal en la imagen final. Hoy hablaremos de los perfiles de color y cómo gestionarlos de forma básica a través de cualquier ordenador.

En primer lugar, la calibración

Calibrar el monitor en el que vamos a retocar nuestras fotografías es fundamental. No existen excusas: desde un ordenador portátil hasta nuestro nuevo monitor con un 99% de AdobeRGB deben ser calibrados. Prácticamente todas las pantallas son capaces de reproducir el 100% de sRGB que es el que se emplea para web así que deberíamos tener una pantalla que nos permita como mínimo poder visualizar las imágenes en otra pantalla.

Perfiles de color: ¿asignar o convertir?

La gestión de color en Photoshop se realiza de dos formas: asignando un perfil o convirtiendo el perfil que estamos trabajando. Podemos acceder a estas opciones a través de Edicion > Asignar perfil... o Convertir en perfil...

Si asignamos un perfil a una fotografía estamos cambiando la visualización del color sin cambiar los números internos. Por ejemplo, si hemos tomado una fotografía en AdobeRGB pero sabemos que nuestra foto va a ir a la web en sRGB, yo siempre asigno el sRGB cuando empiezo a trabajar; así, sigo trabajando con toda la información del AdobeRGB pero viendo cómo va a quedar la imagen final ya que si seguimos trabajando en Adobe, al convertir la fotografía a sRGB nuestros tonos van a variar para acoplarse al espacio de color.

Si convertimos a un perfil, estamos viendo y cambiando la información interna de la fotografía al perfil que hemos elegido. Es decir, que si trabajamos en AdobeRGB y convertimos a sRGB estamos 'cortando' la información que sobra del sRGB y ya no podemos trabajar más con ella. Por este carácter destructivo de la información, la conversión deberíamos usarla tan sólo cuando hayamos terminado de editar la fotografía y tras comprobar con la asignación del perfil que todos los tonos son correctos a lo que queremos que se vea.

¿Y para CMYK?

Este proceso debemos realizarlo igualmente si vamos a imprimir, sólo que con el perfil CMYK que corresponda. Así podremos retocar una imagen para que al imprimirla los colores de la pantalla se correspondan con lo que vemos el papel o al menos haya una desviación lo más pequeña posible.

Acciones para asignar y convertir

En definitiva, asignar y convertir son dos opciones muy importantes a tener en cuenta: asignar el perfil que tendrá definitivamente para visualizar correctamente los tonos finales que tendrá la fotografía y convertir en el último momento con todas las modificaciones hechas para asentar todos los cambios.

Yo suelo realizar esta tarea con acciones: tengo una para asignar el perfil que suele ser sRGB y una segunda acción para convertir defintiivamente en sRGB, guardar un JPG al máximo de calidad y deshacer la conversión para recuperar el AdobeRGB original.

Y tú,¿cómo trabajar los perfiles en tus fotografías? ¡Puedes comentar lo que te apetezca en la caja de comentarios!

National Geographic es una de esas entidades icónicas en el mundo de la fotografía que ha tenido el placer de publicar algunas de las fotografías más famosas de las últimas décadas en su revista. Hace unos días, su Redactora Jefe, Susan Goldberg, explicaba cómo detectan las fotografías manipuladas en National Geographic.

La manipulación, más fácil que nunca

Con el reciente escándalo de Steve McCurry aún pululando por las redes, la Redactora Jefe de la publicación ha querido hacer gala de los procedimientos que siguen para certificar la veracidad de las fotografías que publican. A pesar de que personalmente creo que las fotografías son subjetivas desde el momento en el que el fotógrafo encuadra, hablaremos en este artículo de objetividad como la ausencia de una manipulación posterior de la imagen más allá de ajustes de color.

"En la era digital es muy fácil manipular una fotografía [...] así que es más difícil que nunca asegurarse de que las imágenes que publicamos, tanto en nuestra publicación como en nuestra página web, reflejan la realidad de lo que el fotógrafo vió a través de su visor". Sarah Leen, Directora de Fotografía de la publicación, destaca que "a veces no sabes si una fotografía es falsa, al menos no sin investigar un poco".

La fotografía ganadora del concurso que celebró Nikon con una trolley de premio.

El proceso de investigación que menciona Leen no es otro que indagar tanto en el archivo JPG como en el RAW. National Geographic aplicó políticas a sus fotógrafos a través de las cuales deben adjuntar el archivo RAW, el cual no es posible modificar por ser los datos extraídos directamente del sensor. El 'sello de autenticidad' de una fotografía lo pone el archivo RAW.

Como hay veces en las que el archivo RAW puede corromperse, perderse o simplemente no hay espacio para almacenarlo, Goldberg comenta: "si el archivo RAW no está disponible, preguntamos cosas detalladas de la fotografía. Si las respuestas nos parecen sospechosas, rechazamos la fotografía".

Los límites del retoque

Goldberg apunta a que en National Geographic se permiten unos ajustes muy reducidos respecto al color y al contraste: el objetivo es que la imagen represente lo que el ojo vé en ese momento, que es algo muy diferente de lo que capta la cámara.

National Geographic estipuló límites muy estrictos a los retoques desde que en 1982 manipularan una fotografía de unos camellos cruzando por delante de las Pirámides de Giza para encajar la fotografía al formato vertical de la portada. Los lectores no se tomaron nada bien el cambio, y la prensa se hizo eco de ello afectando a la imagen de la publicación.

La responsable de la publicación ha querido hacer pública su preocupación la veracidad de las imágenes, en parte, por la reciente caza de brujas que ha sufrido Steve McCurry con sus fotografías. "Tener la seguridad de que estás viendo imágenes reales es tan importante como tener la seguridad de que lees palabras reales", finaliza Goldberg.

Fotografía de portada | Shake It Off, de Michael Pachis

La gran cantidad de aplicaciones móviles dedicadas al campo de la fotografía hace que a veces no le prestemos la atención debida a algunas de ellas que realmente merecen mucho la pena. Es el caso de Adobe Photoshop Fix, lanzada el pasado octubre y que es una herramienta muy interesante para mejorar nuestras fotografías en cualquier lugar desde un smartphone o tablet.

Photoshop Fix no es sino una versión reducida del conocido programa de Adobe orientada en esta ocasión al retoque. De hecho la propia Adobe la define como “la potencia de retoque de Photoshop para todos, en todas partes”, ya que está orientada a algunas de las acciones más comunes de la herramienta de escritorio. Así, permite solucionar problemas como eliminar elementos que no queremos que aparezcan, quitar posibles manchas, reducir ojos rojos o pintar sobre la fotografía.

Primeros pasos

Pero pasamos ya a probar la herramienta y contaros qué es lo que ofrece. Una vez descargada desde iTunes (de momento no hay versión Android) e instalada en nuestro dispositivo, pasamos a abrir la aplicación y nos encontramos con las típicas pantallas de presentación con información sobre lo que se puede hacer con ella.

Para comenzar es necesario acceder con un Adobe ID, para poder conectar lo que hagamos con nuestros otros programas de la firma. Así, tenemos la opción de introducir nuestra credenciales de Adobe o bien registrarnos y crear una cuenta gratuita. Una vez hecho, accedemos por fin a la interfaz principal del programa. Una interfaz ciertamente minimalista que apenas tiene una barra vertical situada a la izquierda y una suerte de escritorio donde aparecerán los proyectos (y que ya tendrá dos de ellos que son tutoriales sobre el programa).

La barra de comandos se compone de tres elementos. Arriba un icono da acceso a los Ajustes, donde podemos encontrar las opciones de configuración. El apartado más destacado aquí es Preferencias, donde está lo relacionado con nuestra cuenta de Adobe ID, nuestro perfil o la posibilidad de conectar nuestro Facebook y Dropbox. Además, también nos informa del espacio local que estamos empleando.

Adobe promete que Photoshop Fix gestiona de forma inteligente la cantidad de espacio que ocupan los proyectos, y permite recuperar espacio cuando nos quedemos sin almacenamiento, acción para lo cual hay un comando llamado Liberar espacio.

Aparte de éste, también interesa mencionar un control concreto referido a la interfaz que podemos ajustar. Se llama Mostrar toques y no hace otra cosa que sobreimpresionar un círculo en la pantalla cada vez que hacemos un toque sobre ella para ayudarnos en el trabajo (y también para servir de referencia a quienes quieran grabar en vídeo tutoriales del programa).

Volviendo a la interfaz principal, en la parte de abajo de la barra tenemos un icono que únicamente sirve para decidir si queremos ver los distintos proyectos que tengamos en marcha uno a uno en grande o más pequeños (para visualizar varios al tiempo). Éstos, aparte del nombre, tienen dos iconos para poder borrar el proyecto o para entrar a editarlo.

Manos a la obra

En la parte central de la barra principal un signo "+" nos lleva directamente a crear un nuevo proyecto sobre el que trabajar, que es lo que vamos a hacer. Nos dará las típicas opciones para importar la imagen desde el propio dispositivo, desde Creative Cloud, Lightroom, Facebook, Dropbox o directamente desde la cámara.

Una vez elegimos una en concreto pasaremos directamente a la pantalla de edición que controlaremos con dos barras, una superior y otra inferior. En la parte de arriba veremos una serie de iconos que sirven para ver rápidamente los metadatos de la imagen o para acceder a las opciones de exportación de la imagen (guardar la foto en el dispositivo, enviarla a Photoshop CC, guardarla en Lightroom…).

Otro icono sirve para acoplar las capas, si es que así queremos hacerlo, teniendo en cuenta que Photoshop Fix trabaja aplicando todo lo que hagamos en capas de ajuste que luego se pueden modificar en la herramienta de escritorio. Por último, en la barra superior también están los típicos (pero imprescindibles) iconos de deshacer y rehacer y un último icono para ver la foto a pantalla completa.

Por su parte, en la zona de abajo tenemos otra barra con las opciones de retoque disponibles así como un icono, a la izquierda, para salir rápidamente de la opción sin aplicar cambios, y otro, a la derecha, que sirve para lo contrario, es decir aplicar los ajustes realizados.

Las herramientas con las que contamos comienzan por Recortar, que además de ofrecernos la opción de girar y voltear la imagen va más allá de lo esperado con la posibilidad incluso de ajustar la imagen a diferentes formatos (3:2, 16:9, 5:4…), siempre con un medidor de los grados de inclinación para facilitarnos la tarea.

La siguiente utilidad es Ajustar, que da paso al control de la exposición, el contraste y la saturación, permitiendo ajustes separados de sombras e iluminaciones. En todos los casos podemos realizar la edición acercándonos a la imagen con el gesto de los dedos típico de los dispositivos táctiles. Esto es especialmente útil para apartados como Licuar, que contienen herramientas ya conocidas de la aplicación de escritorio que en este caso se denominan Deformar, Hinchar, Molinete y Cara.

Las tres primeras no necesitan mucha explicación y se complementan con otra opción, denominada Restauración, que sirve para que con el dedo podamos deshacer a conveniencia y poco a poco los ajustes que hayamos hecho con las otras herramientas.

Además, hay que decir que para realizar todos los cambios tenemos que utilizar una pequeña barra de la parte izquierda donde podemos elegir el tamaño del área que aplica la herramienta, así como mostrar/ocultar una rejilla de ayuda para el trabajo. Esto para las herramientas de este apartado, porque en otros aquí también aparecen opciones para controlar la dureza o la opacidad del ajuste y un sombreado de color (que se puede activar o desactivar) que indica en qué zona se aplican los ajustes que estemos realizando.

El cuarto apartado, llamado Cara, sí que es algo más especial. Sólo se activa cuando hay rostros en la imagen (en caso contrario no sirve de nada) y permite ajustar los rasgos faciales de acuerdo a una serie de nodos que aparecen sobre el rostro para ajustar puntos clave como los ojos, la nariz, los pómulos, los labios y la barbilla haciéndolos más grandes o pequeños, girándolos, etc. Y aunque está pensado para ajustes pequeños para mejorar las fotos, jugando con ellos es más que factible llegar a la caricatura.

Pasamos ya al siguiente apartado del menú de edición, denominado Correción, donde encontramos otros herramientas clásicas de Photoshop como la corrección puntual, el parche, el tampón de clonar y el corrector de ojos rojos de los que no hay mucho que contar porque son de sobra conocidos. Lo mismo que las opciones de Redondear y Enfocar del siguiente apartado, que recibe el nombre de la primera herramienta citada.

El siguiente es Luz, en el que aparecen opciones para aclarar y oscurecer zonas de la imagen, así como el comando Estructura que realiza ajustes automáticos en la imagen por diferentes zonas lumínicas. Aquí también hay que decir que tendremos unos nuevos iconos, situados en la parte superior a la izquierda, en los que podremos modificar la opacidad de las capas y ver el antes y el después de los ajustes realizados.

Muy similar es Color, donde se trata de saturar o desaturar zonas incluyendo la opción Chispa que hace algo similar a la herramienta Estructura antes señalada aplicando más color a ciertos elementos con una gama tonal similar.

Y así llegamos al apartado Pintura, uno de los más creativos porque nos permite lo que su nombre indica, pintar sobre la imagen. Por supuesto con opciones para elegir el color a nuestro gusto (incluido el clásico selector de color) y aplicarlo con más o menos dureza, opacidad, etc.

Los dos últimos apartados son Desenfoque, del que no hace falta comentar nada porque es más que evidente, y Viñeta, que hace lo que su nombre indica con bastantes posibilidades para configurarlo. Y con esto hemos acabado con el repaso a lo que ofrece Photoshop Fix, una serie de posibilidades sin duda suficientes para realizar un retoque bastante completo de las imágenes. Siempre teniendo en cuenta que todo lo realizado se guarda como capas de ajuste y por tanto posteriormente se puede afinar la edición en el monitor del ordenador (con el programa "padre").

Nuestra valoración

Sin embargo, qué duda cabe que sin recurrir a este paso podemos conseguir imágenes acabadas a las que habremos aplicado un montón de ajustes de manera casi profesional pero de forma bastante sencilla. Otro tema es si queremos realizar ajustes muy concretos en zonas puntuales donde se echa de menos la precisión de la aplicación de escritorio y herramientas de recorte de la imagen y similar. Aún así, para ajustes generales y de zonas puntuales que no sean muy conflictivas es muy útil, con la ventaja de la movilidad que aporta el dispositivo desde el que se maneja.

Manejo, por cierto, bastante intuitivo aunque cuesta un poco acostumbrarse al principio a cosas como la forma de aumentar el tamaño de los pinceles y similares, algo que desde nuestro punto de vista es mejorable. Además uno se encuentra un poco perdido con algunos ajustes, ya que sólo hay una brevísima explicación de las herramientas que aparece aleatoriamente (o eso nos ha parecido) y, por otro lado, no hay un manual donde se explique de forma detallada para qué sirve cada cosa.

Por otro lado, es necesario algo de práctica para acostumbrarse a manejar todo con los dedos y a veces esto implica que apliquemos alguna corrección sin querer cuando, por ejemplo, lo que pretendíamos era hacer zoom sobre la imagen.

Esto es especialmente importante si estamos manejando imágenes de cierto tamaño. Y es que, aunque Adobe promete que es capaz de editar imágenes de alta resolución de hasta 64 megapíxeles sin que el dispositivo se bloquee o ralentice, nosotros lo probamos con una foto de 4928x3264 píxeles y 16 Mbytes de peso y sí que tuvimos problemas de agilidad. Nada grave pero indicativo de que manejar archivos de mucho peso no va a ser lo mismo que retocar fotos de baja resolución que simplemente queramos compartir por nuestras redes sociales.

Por ultimo, mencionar que esperamos que pronto aparezca la versión para dispositivos Android. No debería tardar mucho dado que ya en octubre, cuando se presentó Photoshop Fix, se decía que la versión para móviles con sistema operativo de Google saldría pronto, pero el caso es que hoy por hoy sigue reservada sólo para los usuarios de dispositivos con sistema operativo iOS.

Más información | Adobe Photoshop Fix

En Xataka Foto | LR/Instagram, probamos el plugin que facilita publicar fotos desde Lightroom a Instagram

El licuado es una de las herramientas más polémicas y potentes de Photoshop, pero lo cierto es que es necesario tener un conocimiento profundo y mucho tacto para sacarle el máximo partido. También es necesario saber cuando realizar el licuado para obtener la máxima versatilidad, por lo que hablaremos del orden que debería ocupar en nuestro workflow.

Las herramientas del licuado

Las herramientas del licuado se dividen en tres grupos. El primero se compone del clásico 'dedo deformador' y las pertinentes herramientas para rectificar esta deformación; en el segundo se engloban las herramientas para enrollar, contraer o dilatar la malla además del empuje para crear deformaciones en curvas; el tercer grupo agrupa las potentes herramientas de máscara para nuestros licuados.

Deformar hacia adelante, reconstruir y suavizar

Deformar hacia adelante es la herramienta más usada del licuado, nos permite empujar una zona de la imagen hacia la dirección hacia la que arrastramos el ratón. La incidencia del arrastre está pondera del centro a los extremos lo que quiere decir que en distancias pequeñas, la malla del centro se deforma más que la de los extremos. Es posible cambiar este comportamiento a través de la herramienta 'densidad del pincel', aunque yo prefiero mantener este valor a 50 en la mayoría de los casos.

Lo normal es que no tengamos que reconstruir una deformación, pero en caso de que tengamos que hacerlo, podemos hacerlo apretando la E y entrando en la herramienta 'reconstruir'. Suavizar hace la misma función, pero de forma muy progresiva por lo que podemos corregir de forma muy suave la malla.

Por ejemplo, podríamos darle más volumen a un cabello pero si nos sobrepasamos, podemos emplear el suavizado para rebajar la intensidad de esta deformación.

Remolino, desinflar, inflar y empujar

El remolino no lo veo una herramienta que podamos emplear para el retoque de retratos y supongo que tiene una finalidad creativa para diseñadores o ilustradores, por ejemplo, para crear agua con sus ondas.

En cuanto al inflado y desinflado, las aplicaciones más directas suelen actuar como modificadores del cuerpo, como adelgazar zonas del cuerpo e inflar otras como el pecho o la redondez del trasero. El funcionamiento es complicado y hay que tener en cuenta que inflar hace que la malla se dilate del centro y el desinflado contrae la malla del centro lo que provoca deformaciones en las proporciones del contenido respecto a la forma. Por eso, os recomendaría realizar estas modificaciones a mano con el deformado clásico.

Personalmente, suelo usar inflar/desinflar cuando quiero cambiar las proporciones en una fotografía como por ejemplo, cuando una fotografía se nos angula demasiado al emplear grandes angulares. Para cambiar la forma de un cuerpo o una cara, prefiero emplear el dedo clásico ya que movemos tanto la forma como el contenido.

La herramienta de empuje hacia la izquierda es algo así como un modificador en cruz ya que si arrastramos hacia arriba los píxeles se mueven hacia la izquierda, si lo movemos hacia abajo se desplazarán hacia la derecha, si lo hacemos hacia la izquierda movemos los píxeles hacia abajo, y si movemos hacia la derecha, los movemos hacia arriba. Estos controles se invierten si mantenemos apretado el botón ALT. Cuando usemos el empuje es muy recomendable mantener la densidad y la presión muy bajos ya que es una herramienta muy potente.

Máscaras

Las máscaras son muy potentes para licuar sin alterar las formas colindantes. Lo malo de la máscara es que no ofrece un suavizado útil por lo que es difícil enmascarar con precisión. Para evitar que haya un corte de píxeles cuando licuemos la imagen, recomendaría usar una densidad y presión de 50 para conseguir una máscara que nos respete elementos zonas sin que los bordes queden mal.

El orden del licuado en nuestro workflow

El orden del licuado es muy importante. Hay quien dice que si estás muy seguro de lo que vas a hacer puedes licuar al principio, recomendaría dejar el licuado siempre para el final y guardar la malla para poder suavizar los ajustes en caso de necesidad. Personalmente, prefiero disponer las capas de ajuste sobre la fotografía original, licuar y guardar la malla modificada; de esta forma disponemos de las capas de ajuste y la malla modificada para suavizar o rehacer lo que nos haga falta.

En cualquier caso, yo siempre recomendaría el uso de la deformación de dedo clásica, dejando el resto de herramientas para situaciones donde nos sea imposible controlar de otra forma el resultado que necesitamos. En cualquier caso, lo importante es saber que podemos realizar pequeñas correcciones, sin caer en la manipulación fácil y exagerada.

Fotografía de portada | Pexels

Trabajar en RAW es uno de los consejos más comunes que siempre damos a los fotógrafos que quieren realizar fotografías más o menos serias. Sin embargo, hacemos poco caso de uno de los aspectos más importantes en el procesado de RAWs que es el procesado por zonas, así que os explicamos por qué es tan importante realizar ajustes locales antes de pasar nuestras fotografías a Photoshop.

Un fichero RAW es un archivo compuesto de una amalgama de datos que el sensor ha captado en el momento de realizar la fotografía, en él se encuentran 'datos al margen' que no se muestran pero que conforma ese fantástico margen de trabajo que todos los RAW nos ofrecen para estirar la información de nuestras imágenes (incluso desde móviles). Empleando ajustes globales no conseguimos optimizar el potencial de nuestros RAW y por ello debemos ser conscientes de la importancia del procesado por zonas.

La importancia del procesado por zonas

Está más que claro que para trabajar con archivos RAW, debemos hacer uso de Camera RAW, Lightroom o Capture One. Esto nos permite realizar ajustes locales donde podemos recuperar sombras, iluminaciones o modificar colores con mucha precisión y flexibilidad, pudiendo darle cualquier acabado que deseemos.

En Capture One y Lightroom es posible hacer uso del básico sistema zonal que el programa incorpora, pero en el caso de Camera RAW, si queremos editar por zonas nuestra fotografía debemos hacer uso de varios revelados completos buscando el tono perfecto para la zona concreta para después enmascarar las zonas que nos interesen en Photoshop. En el caso de Capture One o Lightroom, es tan fácil como seleccionar la opción del pincel y hacer uso de los pinceles A y B, mientras que Capture One lleva más allá esta opción incluyendo un práctico sistema de capas con el que podemos jugar.

El caso es que para un retoque en profundidad, prácticamente debemos realizar el procesado enmascarando a través de Photoshop, pero los pinceles para realizar ajustes locales pueden ser perfectos para conseguir un ajuste local adecuado si tenemos un altísimo volumen de fotografías que retocar o si no es un trabajo de máxima precisión.

Personalmente, para fotografía de modelos yo lo uso para corregir las dominancias en algunas partes de la fotografía o potenciar el color de los ojos o la ropa que aunque es información que se guarda en la parte central de la fotografía, podemos aprovechar mejor empleando la corrección local. Además, en términos de luminancia lo empleo para recuperar zonas muy quemadas tanto de luces como de sombras para crear una imagen más equilibrada.

En Xataka Foto | La profundidad de color en RAW y JPEG, a fondo

Retocar nuestras fotografías se basa en gran medida en saber gestionar el color y el contraste de las mismas. Sin embargo, en ocasiones empleando el formato RAW las imágenes queda lavadas, grisáceas y planas y no somos capaces de encontrar una solución efectiva para gestionar el contraste. Por eso, hoy os damos un pequeño consejo empleando el histograma con el que cuadrar los blancos y negros de una imagen.

¿Qué es el contraste?

En primer lugar, deberíamos saber qué es el contraste por definición. Es la diferencia entre el punto más negro de la imagen y el punto más blanco, lo que viene a decir que una fotografía sin una buena gama de grises suele ser una imagen contrastada. En el histograma, apreciamos que a la izquierda se disponen los tonos oscuros mientras que a la derecha se disponen los tonos blancos, mostrando las clásicas montañitas típicas de un histograma.

Estas montañitas nos indican la cantidad y fuerza de tonos que tenemos en una imagen según su lugar, y es también un indicador genial para saber más o menos si hemos acertado la exposición de una imagen, especilmente cuando realizamos sesiones exteriores diurnas y la luz del sol hace inútil la pantalla más allá que para previsualizar el encuadre.

Curvas y niveles, control total del contraste

¿Es óptimo usar la opción 'Contraste' de nuestro programa favorito para dar contraste? EN NINGÚN CASO. Esta opción 'estirará' los blancos y negros de forma equitativa, pero es posible realizar una fotografía con unos blancos perfectos pero que los negros estén en un feo tono grisáceo. Este caso es precisamente el que me pasa a mí, probablemente porque utilizo fuentes de luz muy difusas y por la idiosincrasia de disparar en RAW.

Para solucionarlo, invado ligeramente el histograma por la parte de los negros y en caso de ser necesario, hago lo propio con los blancos. Esto es posible realizarlo con las curvas o con los niveles, tan sólo debemos tomar como referencia el histograma que aparece de fondo cuando usamos la herramienta para deterimar la entrada de negros en el punto en el que empiezan a haber tonos negros en la fotografía.

No debemos pasarnos de rosca, porque darle más entrada implica que nos comemos más grises y las sombras empezarán a ser demasiado fuertes, y de igual forma pasará con los blancos.

¿Y si disparo en clave alta/clave baja?

Con este método empleando el histograma es posible cuadrar de forma muy fácil una fotografía, pero el histograma es una representación, no una regla matemática. Está claro que si vamos a disparar una clave alta o una clave baja, nos quedaremos sin negros o sin blancos respectivamente, por lo que este método no sería del todo válido para ese tipo de fotografías las cuales tienen unos contrastes muy particulares.

Tampoco deberíamos olvidarnos de los grises como elemento a procesar de forma separada en la fotografía empleando las zonas centrales de las curvas para conseguir un resultado óptimo en la totalidad de la fotografía.

Gracias a este sencillísimo proceso he notado una mejoría interesante en las fotografías, especialmente a la hora de darles peso y densidad gracias a controlar a partir de qué tonos entran los negros.

Fotografía de portada | Capture the uncapturable

Habitualmente, a la hora de procesar nuestras fotografías suele ocurrir que no tenemos mucho tiempo y tenemos que recurrir a un trabajo rápido y “sucio” pero que nos da resultados aceptables en un plazo muy corto. Para eso, es muy útil utilizar un programa “todo en uno” como Adobe Lightroom o cualquier otro similar (su más directo rival era Aperture desaparecido hace ya casi dos años).

Sin embargo, cuando nuestro propósito es obtener la mejor imagen posible, es interesante aplicar un flujo de trabajo mucho más pausado con una serie de pasos que debemos realizar correctamente, sin prisas y añadiendo además Photoshop al flujo de trabajo. El trabajo es similar pero la forma de tomar las decisiones y el tiempo que se dedica a ello no tienen nada que ver. Por eso es importante conocer cuál sería el mejor post-procesado fotográfico posible y cómo realizarlo de forma correcta y ordenada.

Por supuesto en Internet existen multitud de tutoriales (nosotros mismos os ofrecimos hace ya unos años un curso sobre Lightroom 4 que os recomendamos revisar) pero en esta ocasión nos hemos fijado en este tutorial de Tutsplus al que hemos añadido nuestros propios consejos.

Foto de Pexels

Antes de comenzar, el tutorial nos propone una serie de consejos previos. Lo primero es que deberíamos tener a mano una libreta para ir tomando notas sobre el proceso. Serviría también una app para tomar notas pero estar cambiando constantemente del programa editor de fotos al de notas puede ser un engorro y conviene estar centrado en las imágenes.

Por otro lado, si el trabajo se refiere a un lote de imágenes deberíamos realizar al mismo tiempo cada uno de los pasos con todas las fotos antes de continuar. Esto nos permitirá mantener la eficacia en el trabajo y nos ahorrará el quebradero de cabeza que puede ser intentar igualar el resultado de una imagen ya acabada con otra sin tocar.

1. La preparación de los archivos

El primer paso para un correcto post-procesado sería la preparación de nuestro archivo de fotografías, un trabajo mecánico y que puede resultar pesado pero muy necesario para que nada altere la oportunidad de desarrollar y expresar nuestro propio estilo fotográfico personal.

Para estos pasos os remitimos a artículos propios en los que tratamos la selección y organización de fotografías, además de consejos para optimizar Lightroom, y cómo actualizar metadatos y presets de versiones antiguas del programa.

Procesado de los archivos RAW

Los pasos clave en el postprocesado de archivos en crudo utilizando Adobe Lightroom y en el orden correcto serían (según este método):

• Ajustes predeterminados. Los que se aplican a todas las imágenes de forma predeterminada, incluyendo la calibración de la cámara y del objetivo y el perfil de color. Recuerda que al realizar la importación a Lightroom es posible hacerlo aplicando a las fotos unos ajustes previos que se aplicarán a todas las imágenes. Una posibilidad que puede ser muy interesante si utilizamos perfiles de nuestra cámara y/o objetivos que hayamos personalizado previamente.

• Balance de blancos. Como sabéis, este apartado se refiere al balance de color adecuado para la imagen. Y aunque hace tiempo os recomendamos que no conviene dejar de lado esta tarea en la toma de fotografías, muchos son los que no se preocupan de ello y dejan la tarea para la edición. Sea o no tu caso, siempre hay que mirar este apartado para asegurarnos unos blancos lo más reales posibles. Para ello, conviene utilizar el selector de balance de blancos (tecla W) para elegir un área de la imagen que debería ser neutra. Pero ojo que nuestra percepción nos engaña y a veces incluso podemos ajustar una imagen deliberadamente mal para conseguir un efecto más atractivo a la vista.

• Balance de color. Los colores de un tono medio son en realidad mucho más importantes para nuestra percepción de una fotografía que los blancos. Modificar el balance de blancos normalmente corrige estos tonos medios de color, pero si hubiera que ajustarlo, quizá es un trabajo más conveniente para realizar en Photoshop.

• Corrección de la exposición. De partida, ninguna imagen está perfectamente expuesta. Por eso, para mantener la mayor cantidad de información posible en la imagen hay que establecer el punto blanco y el punto negro de ésta. Para el blanco, hay que mantener pulsado Alt y arrastrar el control deslizante de Exposición (la imagen se volverá negra) hasta justo antes de que aparezca la imagen.

• Balance Negros. Del mismo modo, para establecer el punto negro, hay que mantener pulsado Alt y arrastrar el control deslizante de Negros (la imagen se volverá blanca) hasta justo el punto en que la imagen se vuelva totalmente blanca. Los apartados Recuperación y Relleno influyen también en la saturación, por lo que de momento no los vamos a tocar.

• Corrección de brillo y contraste. Las luces altas usualmente necesitan que les aplique algo de tono y a las sombras algo de separación. Los controles de Brillo y Contraste son formas perfectamente legítimas de trabajar, combinándolas con Exposición y Negros pero recomendamos utilizar mejor la Curva de Tonos que permite afinar el contraste utilizando un gráfico. Claro que de momento no la vamos a tocar tampoco en esta primera etapa.

• Claridad. La herramienta Claridad utiliza una cantidad baja de enfoque en un radio amplio, lo que hace que las luces sean más claras y las sombras más oscuras. Por eso si lo vemos necesario debemos utilizarlo con cuidado porque puede causar halos.

• Vibración y Saturación. Saturación afecta a todos los colores de la foto mientras que Vibración afecta más a los colores menos saturados. Juntos pueden usarse para dar color a una foto. Si buscamos un resultado uniforme recomendamos bajar un poco la Saturación y subir un poco la Vibración; si queremos un resultado “diferente” justo al revés.

• Detalle. Aplicar enfoque a una foto es sin duda algo necesario para lograr un buen resultado final pero es algo que se debería hacer localmente y teniendo en cuenta el destino final de la foto. Por eso, en Lightroom en principio no es recomendable tocarlo.

• Reducción de ruido. Dentro del apartado dedicado al detalle tenemos la reducción de ruido, algo que sin duda Lightroom sabe hacer bastante bien. El apartado Luminancia permite corregir los píxeles que han reaccionado mal al tono equivocado (percibido en las sombras como grano) y el Color corrige los píxeles que han reaccionado mal al color incorrecto, (típicamente percibido como manchas). Lo más recomendable es ajustarlo pero levemente para envitar excesos que luego pudieran notarse.

• Dividir tonos. Este ajuste controla el matiz y la saturación en las luces altas y en las sombras normalmente para agregar tonos más cálidos o fríos en estas zonas. En general no es un elemento que se deba tocar porque para resaltar un color es mejor usar el balance de blancos.

• Conversión Blanco y Negro. Hay varias formas de convertir una foto en color a una imagen monocroma. Algunas personas les gusta hacer la conversión en blanco y negro desde el comienzo pero quizá es un proceso que se debería dejar para una fase posterior (cuando decidamos si realmente queremos virar la imagen). En cualquier caso, si lo hacemos es conveniente utilizar la pantalla dividida de Lightroom (Mayúsculas+Y) para ver el antes y el después y así poder tener una conversión más acertada.

2. Evaluación de la imagen

Realizados los ajustes previos de las fotos, pasamos a una segunda fase de previsualización o evaluación de la fotografía con el fin de decidir qué vamos a hacer con ella y qué look le queremos dar. Como podéis imaginar, no es nada fácil ser capaz de imaginar el potencial innato de una imagen y saber qué le va a ir mejor. Esto es algo que se va aprendiendo con la práctica a lo largo de toda la vida en un proceso de aprendizaje permanente.

Foto de Pixabay

La cantidad de tiempo que se gasta en esta fase depende de cuánto tengamos y de la importancia de la imagen, pero cada minuto gastado es generalmente útil en comparación del tiempo que se puede perder realizando un retoque equivocado que al final desechemos.

Definir la imagen

Hacer una descripción conceptual y verbal de la imagen nos debería ayudar a entender y comunicar las ideas y emociones contenidas en la imagen. Para ello podemos recurrir a describir la foto pensando en nuestra posible audiencia y hacerlo como si la estuviéramos explicando a un niño de cinco años, empezando por el contenido y los elementos concretos del cuadro.

A continuación deberíamos describir los elementos abstractos de la imagen (estado de ánimo, sentimientos, relaciones psicológicas de personas y objetos en la fotografía…) y decidir qué es lo que hace a la imagen interesante. Por lo general, hay algo que hace que la imagen sea única, incluso aunque no fuera esta nuestra primera intención (las cosas casuales pueden ser las mejores) e identificarlo es algo que nos ayuda a enfatizarlo desde el principio.

Foto de Pexels

Decidir cuál será su propósito

Basándonos en lo que contiene la foto, es interesante identificar su potencial audiencia. Por ejemplo ¿la foto podría ser usada por una persona, un periódico, una revista o expuesta en una galería? En este punto tampoco deberíamos olvidar el contexto en el que la imagen puede llegar a figurar.

Decidir qué cambios hacer

En base a lo anterior, ya estaríamos listos para identificar qué es lo que queremos potenciar para conseguir una mejor foto. Así, éste sería el momento de decidir si hay que hacer ajustes adicionales en el brillo, el contraste, la saturación, la nitidez, etc.

3. Proceso de creación

Llega el momento de “construir” nuestra imagen. Para ello, por cierto, conviene marcarse los pasos que hay que realizar, empezando por los ajustes más generales y acabando por lo más fino, e incluso planear nuestros descansos. Teniendo en cuenta que trabajar en postproducción más de 20 a 30 minutos seguidos suele resultar improductivo porque el ojo es un músculo que se fatiga (por cierto, en los descansos nada de usar otras pantallas como la del móvil).

Foto de João Silas

La creación requiere de control y ajuste fino, pero es un trabajo que si se han hecho bien los procesos anteriores puede resultar muy gratificante. Es el momento de pasar a Photoshop (Control+E) para terminar de mejorar las fotos a través de dos herramientas principales: Las capas y los modos de fusión.

Capas

Las capas nos permiten construir la imagen final sin tener que alterar ninguno de sus píxeles originales y son la base del flujo de trabajo no destructivo de Photoshop. Hay varios tipos importantes de capas y herramientas relacionadas, algunas de la cuales vamos a citar a continuación. Por ejemplo las capas de ajuste que son realmente potentes porque con la combinación de sólo dos de ellas, como Curvas y Tono/Saturación, se puede cambiar totalmente el aspecto de una imagen.

Las capas de Curvas merecen una mención aparte porque con ellas se pueden modificar rangos específicos en los tonos de las fotos, lo cual es muy útil. Después de haber realizado la mayoría de los cambios globales en Lightroom, las curvas de Photoshop se utilizan mejor para aplicar ajustes selectivos a áreas particulares usando máscaras de capa. Además, los cambios de color también se pueden hacer con curvas, trabajando en los canales de color individuales.

Las capas de mapa de bits, como la de la propia foto, están basadas en píxeles y tienen un tamaño fijo pero las capas vectoriales son independientes de la resolución y por tanto poseen algunas posibilidades muy potentes para el retoque. Por otro lado, la posibilidad de agrupar las capas permite combinar y actuar sobre un conjunto de ellas como si fueran una sola (además de para ayudar a mantener nuestro trabajo organizado).

Por último, las máscaras de capa controlan selectivamente qué partes de una capa tienen efecto sobre la foto. Pintando sobre ellas con el pincel en blanco o negro podemos revelar u ocultar (respectivamente) partes de la imagen, y por supuesto también se pueden usar grises y filtros con las máscaras de capa.

Modos de fusión

Los modos de fusión controlan cómo se mezcla cada capa respecto a las que se encuentran debajo y, como sabréis, hay un montón de posibilidades englobadas en varias categorías. Los modos de fusión cambian la tonalidad mediante la interpolación de los valores de la imagen. Pueden ser complicados, pero conservan las relaciones tonales en la imagen de una manera que otros métodos no consiguen. Así, son una forma eficaz de compensar los cambios no deseados introducidos por otras capas de ajuste.

La forma más fácil de empezar a usarlas es simplemente ajustar la opacidad de la capa que, como sabréis, puede variarse desde el cero hasta el 100% y es una excelente forma de hacer ajuste fino con los efectos aplicados a las fotografías.

Como hemos apuntado en el caso de Lightroom, os remitimos a otros artículos para aprender a utilizar Photoshop con soltura.

4. La pre-impresión

Se trata del proceso necesario para obtener un archivo listo para la salida. La parte creativa del proceso da paso a un remuestreo y redimensionado, al ajuste fino local, a la adición de grano o a cualquier toque final necesario para hacer que la imagen funcione con el formato de salida final.

Para impresión, estos toques finales suelen ser ajustes de contraste y nitidez para adaptarse a las cualidades del papel y la tecnología de impresión que se utilizará. Para la web, normalmente implica la optimización y la compresión de un archivo grande para que no pese en exceso o se ajuste a los colores limitados que se usan en la Red.

Y aunque la preimpresión es una parte bastante rápida del proceso de postproducción general, es importante hacerlo bien y prestar atención al detalle ya que, sin duda, tiene un gran impacto en la calidad final de la imagen.

5. Salida

Como etapa final en la postproducción, la impresión es, en muchos sentidos, un proceso completo en sí mismo. Por supuesto no es lo mismo si las fotos van a ser utilizadas en Internet que si van a tener un soporte físico en papel. Si éste es el caso, hay que tener en cuenta que hay muchas maneras de imprimir, cada una con cualidades y desventajas (demasiadas para enumerarlas), pero cualquiera que sea el medio la impresión tiene unos mismos pasos generales:

• Conocer el medio de impresión. Ya sea una impresora de inyección de tinta casera o una que imprima carteles gigantes, cada proyecto tiene unas características diferentes que debemos conocer.

Foto de Masahiko OHKUBO

• Prueba de impresión. Como sabéis, la pantalla del ordenador no es nada fiable respecto a lo que realmente se verá cuando se imprima la imagen final. Por eso, la única manera de saber realmente el resultado es probarlo en su tamaño final y en el medio elegido.

• Evaluación de la prueba. Una vez realizada la prueba, es necesario analizar el resultado, a ser posible bajo las condiciones en las que se verá o expondrá. A partir de aquí podemos decidir si hay que hacer correcciones.

Foto de Pixabay

• Reimpresión. Si efectivamente había que hacer correcciones será necesario realizar una nueva prueba de impresión. Eso sí, depende del caso podríamos limitarnos a imprimir sólo la parte de la imagen en la que fuera necesario realizar los ajustes.

• Impresión. Una vez satisfechos con los resultados de las pruebas, llega el momento de mandar a imprimir, por fin, la imagen definitiva.

Volver a repetir el proceso

Y con esto hemos acabado aunque, como imaginaréis, el proceso nunca termina y siempre hay que volver a empezar para hacer lo propio con más fotografías. De hecho, este es un proceso que requiere de un largo aprendizaje pero que, a base de repetirlo, debería ayudarnos a desarrollar nuestra magia creativa.

Foto de Pexels

Esperamos que el método os parezca útil, pensando que sería algo así como el mejor método posible de postproducción de imágenes, desde el principio hasta el final, con sus fases de preparación de archivos, evaluación de las imágenes, creación, pre-impresión y salida. A todas ellas debería darse todo el tiempo necesario para obtener la máxima calidad posible en la imagen final.

¿Qué os ha parecido? ¿Creéis que sobra algún paso? ¿Quizá que falta algo? Como siempre, os agradecemos vuestra aportación a través de los comentarios.

En Xataka Foto | Curso: Aprendiendo con Adobe Lightroom 4

Foto de portada | João Silas

No todo lo relativo a la fotografía ha de ir encaminado al sector profesional, hay gente a la que le gusta la fotografía "a nivel de usuario" y no quiere invertir tiempo en aprender, ni tienen pretensiones fotográficas. Para ellos va dirigido Mendr, una aplicación en la se eligen los ajustes que se quieres hacer y se envía la imagen a un profesional que la devuelve retocada.

Y es que hay gente que no sabe (ni quiere saber) nada de fotografía ni retoque fotográfico y que, aún así, le gusta publicar en un perfil una imagen en la que sale más atractivo o necesita quitar una mala compañía de la foto que hizo en la cena de empresa. Para ellos se pensó la aplicación Mendr, que propone que alguien simplemente cargue la aplicación, seleccione la foto que desea editar y elija los ajustes que necesita hacer.

Cambiar el color de pelo, de ojos, quitar objetos que sobran o mejorar el estilo general de la foto son alguna de las acciones que nos permite esta aplicación, que ofrece la posibilidad de personalizar el retoque con comentarios que se envían al equipo de retocadores. Tiene una interfaz muy intuitiva y fácil de manejar, con didácticas flechitas y comentarios que proponen las acciones a realizar o guían hacia el paso siguiente.

Mendr

Si elegimos la opción "Tailor" entramos en un menú en el que decidiremos nuestro retoque a medida. Los apuntes, comentarios e indicaciones para enviar al equipo de editores se hacen al final, tras elegir el tipo de mejora que necesitamos para nuestra foto.

Como podéis imaginar, se trata de un servicio de pago. Durante la propuesta de nuestra personalización vemos un icono con el símbolo del dólar, y el grado de iluminación determina la cantidad a pagar. Por supuesto, antes de enviarlo nos permiten ver la cuenta final, para decidir si entra dentro de nuestro presupuesto o no.

Hemos comprobado que los creadores de Mendr están buscando retocadores para trabajar con ellos con una sencilla fórmula: "Descárgate las imágenes, retócalas y haz dinero". La aplicación se puede descargar de manera gratuita y está disponible tanto para Android como para iOS a través de los enlaces que tenéis a continuación.

Mendr | Android | iOS

En Xataka Foto | Sony lanza la aplicación "Digital filter" ¿Complemento útil o juguete innecesario?

El estreno de la última entrega de La Guerra de las Galaxias (‘Star Wars: Los últimos Jedi’) es inminente y ya estamos viendo por todas partes el aparato de marketing de la factoría Disney a pleno rendimiento. Sin embargo esta historia poco o nada tiene que ver Hollywood: Se trata de un fotógrafo que decidió crear una tarjeta de felicitación para Navidad (el típico christmas) muy diferente a lo habitual.

El culpable es Josh Rossi, un fotógrafo especializado en fotografía comercial y publicitaria de origen italiano pero afincado en los EE.UU, a quien se le ocurrió la idea de convertir a su mujer y sus dos hijos en personajes de la saga galáctica más popular y recrear el cartel del Episodio 8 para convertirlo en una felicitación navideña muy personal.

Como era de esperar, Josh confiesa que se lo pasó en grande realizando las fotos para este proyecto familiar (sobre todo las de su hijo de sólo un año). Además, hay que señalar que ya tenía experiencia en hacer este tipo de cosas. Antes de la felicitación a lo Star Wars ya había transformado a su hija en la Mujer Maravilla y a un grupo de niños discapacitados en superhéroes de la Liga de la Justicia (ambos proyectos se pueden ver en su web).

Ciertamente si echáis un vistazo a su trabajo queda claro que lo de Josh va bastante más allá de la fotografía y tiene mucho de diseño y retoque fotográfico y edición digital. Pero aún así sin duda el proyecto nos ha parecido muy interesante y divertido como para enseñaroslo.

Quizá alguno se anime a realizar una felicitación navideña diferente a lo habitual y nos la quiera enseñar. De momento, os dejamos con más fotos del proyecto (incluido el making off) de Josh Rossi.

Página web | Josh Rossi

Vía | DPReview

En Xataka Foto | Así se hizo ‘Little People’, de David Gilliver, el proyecto que muestra el otro lado de los malos de Star Wars

Fotografías de Josh Rossi reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hace unos meses os ofrecimos un completo análisis en varios capítulos de Darktable, uno de los programas de revelado RAW y edición fotográfica que quiere competir con el clásico Lightroom con la ventaja de ser totalmente gratuito. Pues bien, ahora se ha revelado la versión 2.4.0 que, por fin, se ofrece también en versión para equipos con sistema operativo Windows.

Hasta ahora el programa sólo estaba disponible para MacOS y Linux pero ahora llega para el SO de Microsoft (aunque con algunas limitaciones), con lo que abre su posible campo de acción en un ámbito bastante movido en los últimos tiempos, sobre todo después de que las últimas novedades de Lightroom hayan cambiado las reglas de juego pasando al pago por suscripción y la necesidad de usar la nube para trabajar con las fotos.

Por otro lado (y como era de esperar), la nueva versión de Darktable, que ya está disponible para su descarga desde este enlace, llega con novedades implementadas y errores corregidos. Entre ellas podemos destacar un nuevo módulo para la eliminación de la neblina, cambios en los módulos Deshacer y Balance de color, eliminación del límite de 51200 ISO para el tratamiento de las fotos y nuevos perfiles para tratar el ruido y, como suele ser habitual, soporte para un mayor número de archivos de nuevas cámaras.

Más información | Darktable

En Xataka Foto | DxO confirma que habrá una nueva Nik Collection de filtros en 2018

Continuamos con el curso dedicado a Capture One. Estamos ya en el cuarto capítulo. Y es el momento de enseñar cómo descargamos las fotografías para trabajar con ellas en el programa. Pero lo más interesante que vamos a ver hoy es saber cómo podemos organizar nuestros archivos con Capture One.

Estamos acostumbrados a trabajar directamente con nuestros archivos en la carpeta en la que se han descargado o, si somos de Adobe, con las previsualizaciones de un catálogo, que no son más que copias de los originales que, en teoría, nos permiten trabajar más rápido pero solo en el entorno que estamos.

Capture One nos introduce en el mundo de las sesiones. También trabaja con algo parecido al catálogo de Adobe. Y por supuesto podemos trabajar libremente. Pero como buen programa profesional que es, nos da esas dos opciones, Sesiones y Catálogo, para tener un control absoluto de nuestros trabajos. Pero antes de contar cómo funcionan, vamos a descargar nuestras fotografías.

La descarga de fotografías

Este programa puede funcionar como Adobe Bridge o como Adobe Lightroom. La descarga de una tarjeta es sumamente sencilla. Lo primero es meter la tarjeta en el ordenador. Si tenemos activa la casilla Abrir importador cuando se detecte una tarjeta de una cámara digital en Editar>Preferencias>Importando accederá a ella automáticamente. Si no tendremos que hacer clic en el icono Importar imágenes (Ctrl+Mayús+I). Y lo podemos hacer desde una sesión o un catálogo.

La ventana de descarga

Así abrimos la ventana Importar imágenes. Y el camino a seguir es el habitual:

1. Importar desde: Aquí elegimos la ubicación de la tarjeta o el disco duro que queramos importar.
2. Importar a: El lugar donde queremos colocar las nuevas fotografías. Desde una carpeta de sesión hasta la clásica carpeta de toda la vida. Siempre recomiendo guardar de una forma que no dependa de ningún programa. Aprovecharemos los extras que nos de. Pero si dejamos de trabajar con el programa seguiremos teniendo nuestra organización.
3. Backup a: La clásica copia de seguridad en otra ubicación.
4. Denominación: Pestaña en la que podemos dar un nombre a nuestros archivos.
5. Metadatos: Nuestro copyright, una descripción con palabras clave...
6. Información de archivo: Los metadatos generados por la cámara, como la fecha o el tamaño.
7. Ajustes: Los clásicos ajustes preestablecidos para ver nuestras fotografías con un revelado determinado. Por ejemplo, directamente en blanco y negro.

Una vez hemos elegido todos los ajustes solo nos queda dar al botón Importar x imágenes. Podemos pedir que luego nos borre las fotografías en la tarjeta o que expulse la tarjeta automáticamente. Como veis, muy parecido a cualquiera de los programas que existen en el mercado. Por manías personales siempre lo hago con el sistema operativo, pero hay que reconocer que en este caso funciona muy bien.

¿Sesiones o Catálogo?

Y llegamos al gran dilema para muchos. A la gran duda de los usuarios del programa. ¿Hago un sesión o trabajo con un catálogo? Lo mejor es que tenemos una tercera opción, que no es otra que trabajar con los originales directamente, como si estuviéramos con Adobe Bridge y Photoshop (comparo siempre con la competencia porque es el programa de referencia).

Vamos a intentar explicar de una vez por todas las virtudes y defectos de una y otra forma de trabajar con Capture One. Creo que antes de lanzarse con este programa hay que tener muy claro cuál será nuestra rutina con él. Depende de muchas cosas: nuestra profesión, volumen de fotografías, si tenemos o no otros programas... Y saber que podemos combinar ambas formas de trabajar, si así lo queremos.

Sesiones

Las sesiones es una forma perfecta de separar cada trabajo que realizamos de una menara lógica y ordenada. Todo está separado y organizado por carpetas. Es una carpeta con cuatro subcarpetas en su interior: Capturas, Seleccionadas, Salida y Papelera.

¿Y como funciona? Lo primero que tenemos que hacer es ir a Archivo>Nueva sesión. Aquí es el lugar en el que vamos a crear las cuatro subcarpetas dentro de la sesión que tenemos entre manos. Una vez les hemos dado un nombre (que recomiendo que sean siempre los mismos) ya podemos empezar a trabajar con la sesión.

Iniciar una sesión

En este caso he creado una con el nombre Prueba. Si me voy al explorador de archivos de mi ordenador encontraré, en la ruta seleccionada, una carpeta con dicho nombre en cuyo interior veremos las cuatro subcarpetas que he señalado antes. También veremos un archivo con extensión .cosessiondb.

En la parte superior de la interfaz de Capture One veremos el nombre de la sesión. Y desde este momento podemos empezara importar las fotos que formen parte de un trabajo en concreto. La copia de los originales irá directamente a Capturas.

En este momento, desde la carpeta Capturas, puedo mover físicamente los archivos a Seleccionadas y a Papelera. También podría trabajar con los Álbumes de sesión, que sería lo más parecido a las Colecciones inteligentes de Lightroom. En este caso no se moverían los archivos sino que se marcarían dentro de esas carpetas virtuales.

Y si terminamos de revelar la foto y queremos que vaya a Salida, en el formato que queramos, solo tenemos que acudir a la pestaña Salida y por defecto las fotografías terminadas irán a esta carpeta.

Trabajar con sesiones es interesante si tenemos varios proyectos abiertos. Pero personalmente creo que no es una forma de trabajar útil para un fotógrafo aficionado... Podemos tener demasiadas sesiones y no podemos olvidar que si tenemos muchas fotos en nuestro archivo lo que estamos haciendo es duplicar la información en nuestros discos duros. Como siempre, todo es cuestión de organizarse.

Catálogo

Apareció en la versión 7. Surgió con la idea de organizar las miles de sesiones que podía tener un fotógrafo. En cierta manera, un catálogo puede ser un conjunto de sesiones. Trabajar con un catálogo permite hacer búsquedas rápidas sin tener que abrir cientos de carpetas... exactamente igual que nos pasa en Adobe Lightroom.

El catálogo de Capture One de una forma muy parecida al de Lightroom. Es perfecto, por lo tanto, para organizar los grandes archivos que podemos tener. Si tienes un volumen importante de imágenes, es la opción ideal siempre y cuando no trabajes con el programa de la competencia. Es la mejor solución para hacer búsquedas rápidas incluso con fotografías cuyos originales no estén en ese momento en los discos duros que tengamos conectados.

El comienzo de un catálogo

Para crear un catálogo en Capture One tenemos que ir a Archivo>Nuevo Catálogo y darle un nombre. Como siempre, es mejor tener uno, o como mucho dos, para evitar que las búsquedas futuras que hagamos no sean productivas. Algo realmente interesante es que podemos pasar el catálogo de Lightroom a Capture One sin demasiados problemas para aprovechar todo el trabajo que hemos realizado. Es tan fácil como ir a Archivo>Importar catálogo>Catálogo de Lightroom. Pero si queremos empezar de cero, lo mejor es acudir a la ruta Archivo>Importar imágenes o Importar sesión.

Podemos organizarlo como bien explican en la página de Phase One:

Un catálogo puede almacenar archivos de imagen individuales, proyectos, álbumes, álbumes inteligentes y grupos.

Grupos: Un grupo es un elemento de organización de estilo libre. Puede contener otros grupos, proyectos, álbumes, etc. Es un medio sencillo de agrupar elementos. Un álbum inteligente ubicado dentro de un grupo buscará archivos ubicados fuera del grupo. (En cambio, un proyecto limita el alcance de las búsquedas de, por ejemplo, álbumes inteligentes, a ese proyecto, y no puede contener otros proyectos).

Álbumes: Incluya una imagen en varios álbumes sin crear copias ni consumir más espacio en el disco duro. De esta forma ahorrará espacio en el disco duro y la organización del trabajo le resultará más sencilla. Por supuesto, si edita una imagen en un álbum, los cambios que realice se reflejarán en los demás álbumes que contengan la misma imagen.

Proyectos: Los álbumes se pueden agrupar en proyectos, que permiten buscar y filtrar imágenes dentro de un proyecto. Un proyecto limita el alcance de las búsquedas de, por ejemplo, álbumes inteligentes, a ese proyecto (es decir, al contrario de lo que ocurre con los grupos, un álbum inteligente solo buscará archivos dentro de un proyecto). Un proyecto no puede contener otros proyectos.

Organice sus imágenes en álbumes, los álbumes en proyectos y los proyectos en grupos. Arrastre y coloque imágenes fácilmente entre colecciones de distintos proyectos. > >

Personalmente no creo que me olvide de Adobe, así que no le veo mucho sentido a tener en marcha dos catálogos. Además creo que su organización es demasiado compleja y menos intuitiva que la de su directo competidor. Quizás tenga que ver que llevo años tratando mis fotografías con Lightroom. Pero lo interesante es que ahora podemos elegir cuál nos gusta más.

En el próximo capítulo de Primeros pasos con Capture One, un editor de fotografía profesional, empezaremos a revelar nuestras fotografías, independientemente de cómo las tengamos organizadas.

En Xataka Foto| Cómo empezar con Capture One (I): Sesiones, catálogos e importación