La edición fotográfica hace tiempo que ha salido del ordenador de sobremesa o el portátil para instalarse en nuestras tablets y smartphones. Esto viene dado especialmente si solemos subir con frecuencia nuestros trabajos a Instagram, que se ha asentado como una aplicación a través de la que muchos nuevos fotógrafos han encontrado su escaparate.

Con la actualización de Snapseed a su versión 2.0, comparamos frente a frente Autodesk Pixlr, Google Snapseed, VSCO Cam y Camly para averiguar qué editor de fotos se adpta más a tu estilo.

Camly

Camly Versión 1.8.4

• Precio Gratuita
• Desarrollador CamlyApp
• Descarga Android vía Google Play

Herramientas

Herramientas de edición básicas como son ajuste de brillo, contraste, ajuste de exposición en luces y sombras, saturación o desenfoques entre otros. Posibilidad de añadir bordes para que Instagram no nos recorte la fotografía, así como diversos efectos como ojo de pez, y ajustes de perspectiva horizontal y vertical. Dispone de sobreimpresión de tipografías y un creador de collages.

Carece de...

Sólo dispone de dos familias de filtros sin mucho que aportar, permitiendo previo pago la descarga de dos familias adicionales. Los ajustes son poco destacables aunque cumple con los mínimos. Al contrario que Snapseed o Pixlr, no dispone de ajustes por pinceles o zonas.

Camly es un editor muy sencillito para gente que se conforma con ajustes básicos. Dispone de las herramientas básicas de edición, permitiendo sobreimpresionar stickers o tipografías, añadir bordes o aplicar interesantes efectos de corrección de perspectiva y aberraciones de barril.

Te gustará si das a tus fotografías un retoque mínimo y te interesa realizar collages de varias fotografías o añadir textos a tus fotos.

Autodesk Pixlr

Autodesk PixlrVersión 2.5.4

• Precio Gratuita
• Desarrollador Autodesk Inc.
• Descarga Android vía Google Play

Herramientas

Ajustes básicos de buena calidad como contraste, desenfoque, enfoque, ojos rojos y dos ajustes con pincel: Iluminar y Reparar. El ajuste "doble exposición" nos permite superponer dos fotografías tomadas con nuestro smartphone. Dispone de filtros y sobreimpresiones de distintos efectos descargables para ahorrar espacio en el teléfono. Incluye sobreimpresión de tipografía, bordes, stickers y un creador de collages.

Carece de...

Entre los ajustes básicos no encontramos un ajuste de exposición global. Los ajustes con pincel aunque suficientes para un uso puntual, deberían incluirse en más herramientas.

Autodesk es una empresa que no necesita presentación. Desarrolladores de software en multitud de campos como AutoCAD, Maya, 3Ds Max, Sketchbook o 123D han creado también Autodesk Pixlr y a pesar de ser un editor de fotografías completo y bien organizado, falla en no incorporar un ajuste de exposición global, la herramienta más básica de todas.

Dispone de multitud de filtros y efectos especiales, entre los que destacan los clásicos 'leaks' analógicos, por lo que si te gusta añadir muchos efectos a tus imágenes, probablemente esta aplicación te encantará.

VSCO Cam

VSCO CamVersión 3.2.2

• Precio Gratuita
• Desarrollador Visual Supply Co.
• Descarga Android vía Google Play

Herramientas

Entre las herramientas de VSCO Cam encontramos sus famosísimos filtros, los primeros en incorporar un ajuste de opacidad. Las herramientas básicas son extremadamente potentes, con un resultado muy bien procesado y con amplias posibilidades, como el poder editar por separado la exposición y los colores de las altas luces y las sombras.

Carece de...

Compensando el que es, sino el mejor, uno de los mejores motores de edición, VSCO Cam carece de ajustes por pincel o por zonas más allá de la edición de las altas luces y las sombras. Tampoco encontraremos en esta aplicación stickers, sobreimpresiones tipográficas, bordes o un creador de collages.

Visual Supply Co. es la empresa detrás de la VSCO Cam, la aplicación que personalmente más me gusta para la edición de mis imágenes por potencia y detalle de todos sus ajustes. Sin embargo, lo que más echo en falta es el poder aplicar los ajustes con un pincel o a través de zonas seleccionadas como sí que podemos hacer en su gran competidor, Snapseed 2.0.

VSCO Cam es una aplicación para os fotógrafos más interesados en una edición sutil, delicada y muy reconocible de sus fotografías, sin buscar efectos especiales ni otras opciones. En comparación a los demás editores podríamos decir que está un poco incompleta, pero lo compensa muy bien gracias al motor de edición.

Snapseed 2.0

SnapseedVersión 2.0

• Precio Gratuita
• Desarrollador Google
• Descarga Android vía Google Play

Herramientas

Presenta historigrama, exclusivo de esta aplicación. Las herramientas básicas son pocas, concretas y muy fáciles de usar. Destacan 'Quitar manchas', un pincel corrector muy útil y 'Pincel', la herramienta más potente de la aplicación. 'Pincel' nos permitirá cambiar 'Luz y Exposición', 'Exposición', 'Temperatura' o 'Saturación' en nuestra fotografía pintando por encima de la fotografía. Los filtros son interesantes y variados aunque más agresivos que los de VSCO Cam. Incorpora marcos pero no creación de collages o sobreimpresión de tipografías o stickers.

Carece de...

Snapseed 2.0 presenta un buen motor de edición por zonas y con pinceles, pero si tuviéramos que señalar algún inconveniente, sería la inclusión de un simple generador de collages.

Snapseed 2.0 sigue siendo una aplicación fantástica para el procesado de nuestras fotografías con su nueva actualización y renovada interfaz, tan ágil como la anterior. El diseño y calidad de los ajustes y filtros es muy bueno aunque personalmente me gusta más el estilo sutil y reconocible que dá VSCO Cam a mis fotos.

No es una aplicación para los que gusten de incluir tipografía sobreimpresa en las fotos y tampoco dispone un creador de collages, por lo que a falta de un par de herramientas, pienso que es una aplicación que se queda a medio camino entre los filtros agresivos y un procesado detallado de nuestras fotos.

Foto de inicio | Sjoerd Lammers

Tungstène ha cambiado las reglas del juego. Es probable que no hayáis oído hablar de este software, pero posiblemente sí de la controversia que ha suscitado. Esta fue la herramienta que provocó que el 20% de los finalistas de la última edición del prestigioso premio de fotoperiodismo World Press Photo fuesen descalificados debido a la manipulación excesiva de sus imágenes.

El mundo del fotoperiodismo es especialmente sensible a los efectos de la edición fotográfica, y, lejos de resolver esta controversia, el desarrollo de las herramientas informáticas de análisis de la imagen está colocando a la fotografía periodística en «el filo de la navaja». La web francesa OAI13 ha entrevistado recientemente a Roger Cozien, el máximo responsable de Tungstène, y de sus declaraciones se desprende, ante todo, lo difícil que es juzgar una fotografía en virtud de las alteraciones introducidas por el fotógrafo durante el proceso de edición.

Pero el problema no es del software. Tungstène parece ser muy eficaz detectando anomalías. Lo que no es nada fácil es delimitar qué modificaciones pueden considerarse legítimas, y cuándo se alcanza el punto de «no retorno» que provoca que una fotografía deba ser considerada fraudulenta, y, en consecuencia, conlleva que su autor sea descalificado de un premio fotográfico o vilipendiado por una agencia o un medio de comunicación.

De la alteración a la falsificación

Uno de los argumentos más interesantes que defiende Cozien consiste en invitarnos a no utilizar en este ámbito el término «edición», que, según él, no dice nada, y recurrir a los sustantivos «manipulación», «alteración», o, incluso, «falsificación». Y, en mi opinión, tiene razón. La edición forma parte indisoluble de la actividad fotográfica cuando esta se realiza en el dominio digital, especialmente si disparamos en RAW. Y es que cuando ajustamos la exposición o el balance de blancos, por ejemplo, estamos editando nuestra fotografía, pero estas operaciones no tienen por qué desvirtuar nuestro trabajo porque no actúan en absoluto sobre los elementos compositivos.

No es fácil delimitar en qué medida la manipulación ayuda al fotógrafo a plasmar su visión, que es la fina línea que separa lo legítimo del fraude

Entender cómo funciona Tungstène puede ayudarnos a reflexionar acerca de la frontera que delimita el terreno de la edición y el de la manipulación excesiva. Esta herramienta informática ha sido diseñada para detectar todas las modificaciones introducidas en una imagen digital que han provocado la destrucción de una parte de la información que fue capturada en la fotografía original tomada por la cámara. Y para lograrlo utiliza un conjunto de filtros bastante complejos que no saben de composición, encuadres o exposición, y sí de cálculos matemáticos y algoritmos de análisis de la imagen.

Esta es la imagen manipulada que costó a Narciso Contreras, ganador del Pulitzer 2013, su contrato con Associated Press.

El problema al que nos enfrentamos, por tanto, ya no es detectar qué operaciones se han llevado a cabo sobre una imagen, algo que, como estamos viendo, es factible si utilizamos el software adecuado, sino fijar en qué medida esa manipulación puede ayudar al fotógrafo a plasmar su visión, a recrear aquello que pretendía capturar cuando hizo la fotografía, y que el fichero que le entregó su cámara no recogía. Porque en realidad es de esto de lo que estamos hablando, y lo que parece que aún no está nada claro.

La fotografía es un medio de expresión, y, como tal, nos ofrece un punto de vista: el del fotógrafo. No es una plasmación neutra y absolutamente fidedigna de la realidad en la medida en que una única imagen recoge un único instante, que, sin duda, puede estar atiborrado de expresividad y carga emotiva, pero que no tiene necesariamente que describir con una transparencia absoluta el contexto en el que esa fotografía ha sido tomada. Precisamente, en mi opinión, aquí reside la belleza de la fotografía, y lo que nos permite discernir entre una instantánea correcta o una auténtica obra de arte. El punto de vista del fotógrafo.

Faltan unas reglas claras

Afirma Cozien en su entrevista que es imprescindible que definamos un conjunto de reglas claras y prácticas que permitan a los fotógrafos, las agencias y los medios de comunicación conocer sin ningún género de dudas qué modificaciones son legítimas, y cuáles no lo son. Y, si repasamos lo que ha sucedido en las últimas ediciones de algunos grandes premios de fotografía, solo podemos estar de acuerdo con él. La mayor parte de los fotógrafos que han sido descalificados son profesionales con una reputación muy sólida, y, cuando menos, merecen que nos planteemos si realmente manipularon sus imágenes con la intención de «engañarnos», o bien con el ánimo de recrear la idea que ellos tenían en mente cuando tomaron la fotografía.

«La sala de crisis». Fotografía oficial de la Casa Blanca, por Pete Souza

Por supuesto, esto no quiere decir que todo esté permitido. Si llevamos esta idea al extremo podemos defender que en este contexto cualquier manipulación es válida si está asociada a la capacidad que tiene el fotógrafo de expresarse. Y esto no puede ser. Volvemos, de nuevo, a la raíz del problema: no es fácil acotar qué desvirtúa una imagen, y qué ayuda a plasmar la visión de su autor. Esto es lo que nos falta por hacer, y parece que lo lógico es que en la fijación de «las reglas del juego» intervengan todos los actores implicados: los fotoperiodistas, las agencias/medios de comunicación y los organizadores de los eventos fotográficos internacionales. Este controvertido tema merece un debate profundo y meditado, por lo que vuestra opinión será bienvenida en los comentarios del post.

Imagen de apertura | KCNA (procesada con el software Tungstène)
Vía | OAI13 (en francés) | TIME (en inglés)
En Xataka Foto | El retoque en fotografía de moda: ¿va más allá de lo razonable o no debe estar sujeto a restricciones? | El fotoperiodismo a debate: límites y buen uso del tratamiento de una imagen

Topaz, el gigante del software fotográfico ha presentado un nuevo programa, Topaz Texture Effects. A través de esta nueva herramienta, se amplía el catálogo de la marca y ahora simplicará el texturizado de nuestras fotos, evitándonos tener que buscar, aplicar y detallar las texturas a mano.

Probablemente ya conocías a Topaz por sus fantásticos plugins para Photoshop como son Topaz Clean, DeNoise o DeJPG, empleados para procesar muy efectivamente los artefactos y las pequeñas imperfecciones de nuestras fotografías. Ahora, y tras ampliar su catálogo con muchos otros programas como el conocido Topaz Glow o B&W Effects, Texture Effects llega a nuestros ordenadores para ayudarnos a aplicar texturas.

Entre las prestaciones, Texture Effects incluye texturas en alta resolución de 5000x5000 píxeles, entre las que encontramos texturas de rascaduras o metal pulido, además de 130 efectos prediseñados. Todas las opciones son cutomizables por el usuario y es posible editar cualquier opción.

Personalmente creo que es una muy buena herramienta si solemos texturizar nuestras fotografías para darles un toque añejo y desgastado. Los resultados con este programa me recuerdan muchísimo a los trabajos de Maggie Taylor, que empleaba texturas de rascaduras e imperfecciones para darles ese toque envejecido a sus trabajos.

El programa se encuentra en precompra por 69 dólares hasta el 20 de noviembre a través de su página oficial.

Fuente | PhotoRumors

Sitio Oficial | Topaz Texture Effects

El retoque de fotografías en blanco y negro suele ser un clásico porque en gran medida, logra disimular fallos y dá un toque muy interesante a nuestras fotografías. Hoy me gustaría ofreceros una pequeña guía sobre retoque en blanco y negro, en este caso retocando una fotografía callejera a la que quiero darle un toque analógico añadiendo grano a un procesado de alto contraste.

Los pasos del blanco y negro

El blanco y negro no es un tipo de procesado aleatorio que se aplique sin ton ni son. Conlleva una lógica de aplicación que nos dice que las fotos donde prime la textura y la figura sobre el contenido cromático son más apropiadas para el blanco y negro que las fotografías en las que prima la información de color, como podría ser un paisaje. El gusto personal y la situación de cada uno le llevará a procesar sus fotografías como prefiera, yo solo soy algunas directrices para quien quiera seguirlas.

Junto a los retratos, yo diría que la fotografía urbana aprecia mucho el procesado en blanco y negro. Si vamos más allá, podríamos incluso emular los carretes monocromos añadiendo grano y editando el contraste para acercarnos a los trabajos de los maestros como Cartier-Bresson, Robert Doisneau o Kertész. En este caso, intentaré ir en esta dirección.

Comenzamos la edición

En este caso, observando el original podemos observar que el color no es predominante, y que el punto principal es el chico con una cámara en el tercio derecho superior que arrastra una acusada sombra hasta el tercio derecho inferior. Mi procesado se dirigirá a potenciar el contraste para que esa sombra 'salte' de la imagen. Preguntarnos cuál es el protagonista de nuestras fotografías nos ayudará a saber cómo procesarla.

Este es el resultado de una conversión simple a blanco y negro que podría realizarse perfectamente en Photoshop con un mapa de degradado de blanco a negro o con cualquier otra herramienta similar.

En este caso y aunque estoy trabajando con Capture One, las herramientas funcionan casi de la misma forma en cualquier otro programa como podría ser Lightroom.

Ajustes básicos

En los ajustes básicos, podemos observar un subidón en el Contraste de 20 puntos. En el Alto Rango Dinámico recuperacmos las Altas Luces por el contraluz tan agresivo que tenemos en la fotografía, obteniendo detalle allí donde la luz es más agresiva. También recuperamos las sombras para que la imagen no quede completamente plana. Queremos que el contraste sea protagonista, pero no queremos que la imagen quede plana.

En las Curvas he dibujado una S para contrastar la imagen aún más pero haciendo hincapié en oscurecer las sombras y darle un valor de Salida al Negro de 10 puntos para que dé ese sutil efecto de imagen lavada, haciendo además que el negro no quede negro, sino gris muy oscuro, y dando ese toque 'vintage'.

Enfoque y grano

La siguiente pestaña importante en el procesado de esta imagen es la de Enfoque. En este caso, le he querido dar un enfoque de Radio 0.5 para que se concentre en los detalles más finos, con una intensidad moderada, de aproximadamente el 30% del valor total de la herramienta, que en este caso es unos 250-300 puntos.

En la opción de Grano, he escogido un grano grande porque no quiero que integre la imagen, sino que dé ese toque de carrete y pueda verse a simple vista. Por eso, he escogido Grano Grueso con la granulidad a tope para que el grano sea lo más grande posible, pero con un impacto (opacidad) de 25 porque no quiero que se vea mucho, tan sólo que le de un toque.

La diferencia entre el blanco y negro 'plano' y el blanco y negro de alto contraste con el grano es significativa.

Resultado final

El resultado final creo que es satisfactorio. Con unas herramientas básicas y sin ajustes locales, hemos conseguido potenciar las sombras de la imagen para hacer que la sombra se separe del suelo y sea la protagonista, recuperando también la información de las altas luces que se había quemado. Además, le hemos dado el 'mood' con un grano grueso lleno de personalidad 'vintage'. Es un procesado sencillo que espero que sirva de inspiración para vuestras fotografías navideñas retratando el ambiente de las calles en estas fechas.

He creado un estilo que podéis descargar desde el siguiente enlace de MEGA, y que es compatible solamente para Capture One.

En Xataka Foto | ¿Cuál es el mejor motor de enfoque para tus fotografías?

Capture One y Lightroom son dos programas, en esencia, muy similares pero con grandes diferencias en prestaciones y motores de procesamiento. Hoy compararemos los puntos comunes y las diferencias más radicales entre dos softwares diseñados para la edición en lote de fotografías.

Procesado en lote

La semejanza más importante entre estos dos programas es que están diseñados para trabajar con lotes de fotografías. La idea es que tras la irrupción de Photoshop, había que encontrar una alternativa para aplicar ajustes a múltiples fotografías a la vez, aplicando ajustes básicos a varias fotografías a la vez.

Es por esta semejanza en la premisa que ambos programas cuentan con prácticamente las mismas herramientas, aunque la diferencia más importante es que no comparten el mismo motor de procesado, algo de lo que hablaremos más adelante.

Organización y gestión de archivos

Aquí vamos observando algunos cambios que creo que no son ni buenos ni malos; cada uno se siente cómodo con una forma de trabajar diferente.

Mientras que en Lightroom sólo contamos con los Catálogos para organizar nuestro trabajo, Capture One nos ofrece la posibilidad de ordenar físicamente nuestros ficheros a través de subcarpetas como queramos, pero además dentro del programa encontramos las Colecciones de Usuarios que nos permite jerarquizar nuestro trabajo como un árbol. Creo que el sistema de gestión de trabajos de Capture One es más práctico pero hay que saber utilizarlo correctamente para sacarle el máximo provecho.

Compatibilidad con Photoshop

Uno de los grandes pros de Lightroom es que tiene compatibilidad total con Photoshop. Podemos seleccionar una fotografía en el carrete para editarla en Photoshop o abrirla como objeto inteligente. Por contra, en Capture One la única opción ante la falta de compatibilidad es exportar la fotografía en TIF sin comprimir para abrirlo posteriormente en Photoshop.

Esto provoca que si usamos muchísimo Photoshop, el flujo de trabajo sea más rápido si trabajamos con Lightroom porque no tenemos que exportar la foto sin pérdidas para trabajarla de forma más fina en Photoshop pudiendo volver a Lightroom cuando terminemos los ajustes que queramos. Así, el flujo de trabajo en Lightroom es más rápido y natural si solemos usar Photoshop para el procesado fino.

Motores de procesamiento

Una de las grandes diferencias entre Lightroom y Capture One son sus motores de procesamiento. Bien es sabido que Capture One tiene un potentísimo motor tan importante que le dedicaremos la siguiente sección, pero a lo que me refiero es al procesado de los ajustes de contraste, recuperación de altas luces y sombras así como el motor de la máscara de enfoque creo que son mucho más resolutivos en Capture One y sacan una cantidad brutal de detalle.

Además, especialmente en la versión 9, se han añadido un par de herramientas muy interesantes. Una de ellas es la curva de Key, con la que podemos modificar el contraste de nuestra imagen respetando el color, por lo que podemos contrastar una imagen sin saturar los colores.

Gestión del color

La gestión del color es una de las principales razones que se esgrimen cuando alguien te recomienda Capture One. Yo estoy especialmente satisfecho y creo que todo el mundo debería probar este software para que vea que existe una diferencia muy visible en el nivel de densidad y detalle, especialmente en las pieles, cuando trabajamos con Capture One.

Además, las herramientas de procesado del color son mucho más amplias y precisas que en Lightroom. Mientras que en éste encontramos la herramienta Color que nos permite modificar los colores básicos, en Capture One podemos realizar y aplicar ajustes en una gama de tonos concreta. Por ejemplo, podemos seleccionar con el cuentagotas el tono de la piel para darle más contraste, algo que en Lightroom es imposible.

Tipos de licencia

Para quien las mensualidades de Adobe sean un problema y prefiera las licencias de pago único, Capture One ofrece ambas posibilidades: puedes suscribirte mensualmente al programa o puedes comprar una licencia para tres equipos que puedes compartir con otros dos amigos.

Este asunto no es algo que repercuta en cómo funciona el programa, pero en relación a los pagos hay opiniones muy divididas que para algunos resultan fundamentales a la hora de comprar software.

En Xataka Foto | Retocando en blanco y negro una fotografía callejera

Capture One es un programa potente pero poco usado debido a la hegemonía de Adobe en el software de edición digital. Capture One ofrece motores muy potentes que es interesante desgranar para quien necesite una guía de iniciación para este programa desarrollado por Phase One. Hoy, echaremos un ojo al menú de importación para aprender cómo almacenamos y gestionamos los archivos en comparación a Lightroom.

Sesiones y Catálogos

Las Sesiones y los Catálogos son las dos formas de organización que ofrece Capture One para gestionar nuestros trabajos. Mientras que la Sesión correspondería a un trabajo determinado, como por ejemplo, 'Retratos María', un Catálogo permite que importemos varias sesiones en su interior arrastrando todas la Colecciones de Usuario de una Sesión. Así, podemos organizar en un Catálogo 'Retratos' todas las sesiones de retrato que hayamos tenido durante el 2015, con todas las subcarpetas que hemos creado para organizar nuestras fotografías.

Las Colecciones de Usuario corresponden a los Álbumes, Álbumes Inteligentes, Proyectos y Grupos. Son agrupaciones virtuales de fotografías que no se copian de forma física, tienen una utilidad práctica para organizar dentro de Capture One nuestros trabajos. Pasamos a desgranar las diferencias entre cada uno...

• Álbum: Un álbum permite agrupar de forma manual las imágenes, algo así como las Colecciones de Lightroom. Por ejemplo, en una Sesión 'Desfile', podríamos hacer un Álbum para cada diseñador.

• Álbum Inteligente: Un Álbum Inteligente no es más que un Álbum automatizado. Cuando lo creamos, nos permite establecer filtros para incluir automáticamente las fotografías que cumplen esa condición. Por ejemplo, dentro de un Proyecto podemos crear un Álbum Inteligente para separar las fotografías que tengan una ISO igual o menor a 200, o las que se tomaron entre unas fechas concretas.

• Proyectos: Dentro de los Proyectos podemos incluir Álbumes, Álbumes Inteligentes o Grupos, pero no otros Proyectos. Como bien indica su nombre, esta forma de organización sirve para crear proyectos relacionados con una misma actividad. Por ejemplo, dentro del Grupo 'Bar Manolo' podemos incluir diferentes Proyectos que se llamen 'Local' y 'Comida'. El proyecto 'Comida', a su vez, podrá incluir carpetas como 'Platos Combinados' y 'Bocadillos', organizando las fotografías como un árbol que nos permita acceder a las fotografías de forma directa y visual.

• Grupos: Los Grupos son la forma más amplia de organización. Dentro de un Grupo podemos incluir Álbumes sueltos, Álbumes Inteligentes, Proyectos y nuevos Grupos, aunque lo suyo es respetar la jerarquía Grupo > Proyectos > Álbumes.

Es un sistema de embudo que permite organizar las fotografías desde lo general a lo particular como un embudo, aunque hay que saber cómo funcionan para poder sacarle el máximo partido.

El menú de importación

Para empezar a importar desde Capture One, debemos seleccionar el primer icono en la barra de herramientas o desplegar el menú Archivo > Importar Imágenes (Ctrl+Mayus+I).

Salta a la vista que el menú de importación de Capture One es muy completo. Pasamos a desgranar los diferentes módulos que nos encontramos...

• Importar Desde: A través de este menú escogemos la carpeta desde la que queremos importar las imágenes. Podemos elegir una carpeta además de incluir las subcarpetas. Sin embargo y al contrario que en Lightroom, no podemos elegir dos carpetas diferentes sino que debemos elegir la carpeta inmediatamente superior, y después elegir las fotografías que nos interesen de forma manual.

• Importar A: A través de esta opción, Capture One copia las fotografías a la carpeta que escojamos. No es una copia virtual, sino que copia físicamente los archivos. Lo normal es 'Almacenar en Carpeta de Capturas', que sería la carpeta de RAWs del programa, donde se almacenan los ficheros brutos. Podemos designar las rutas que queramos y añadir todas las subcarpetas que queramos. A mí me gusta ordenar mis archivos según Año/Mes, pero las combinaciones son infinitas. Podemos guardar estas rutas si el ordenador es compartido para poder cambiar entre ellas rápidamente.

• Backup a: Como su nombre indica, a través de esta opción establecemos la creación de una segunda copia en la carpeta que designemos y que mantendrá los ajustes de la opción anterior 'Importar A'. Es decir, si ordenamos nuestros archivos según el Día y Mes de captura, no podemos establecer que el Backup se almacene según el Creador o Código Postal.

• Denominación: A través de la 'Denominación' le dictamos al programa qué nombre le damos al archivo que vamos a importar. Así como en 'Importar A', podemos darle una combinación de datos al nombre del archivo, como por ejemplo: 'Nombre de la Imagen'/'Año de la Imagen'/'País' quedando un nombre tipo 'IMG_4433/2015/Francia' que nos facilita la identificación de archivos.

• Metadatos: En los metadatos podremos incluir un Copyright y un Pie de Foto invisible en la fotografía pero que queda almacenado en los datos de la imagen.

• Información de Archivo: Al seleccionar una fotografía, en este módulo aparecerán los datos técnicos de la imagen, incluyendo dimensiones y peso.

• Ajustes: Aunque será poco frecuente usar este módulo, podemos aplicar un ajuste preestablecido llamado Estilo cuando importamos una serie de imágenes. Estos Estilos tenemos que crearlos y guardarlos con anterioridad, aunque el programa trae unos cuantos de prueba a través de Estilos > Estilos Incorporados.

Usando el programa

Una vez hayamos importado todas nuestras imágenes en una Sesión organizando las fotografías físicamente, lo lógico es que hagamos lo propio con las Colecciones de Usuario que nos permitirá en un espacio virtual, mantener nuestros trabajos ordenados en forma de árbol. Además, mientras estemos en una Sesión o Catálogo, podremos navegar entre ellos a través de la pestaña Biblioteca > Biblioteca.

Personalmente, el sistema que nos propone Capture One me gusta porque me parece intuitivo y rápido, mientras que en Lightroom lo que más usaba era la Colección Rápida que me permitía organizar selecciones rápidas de fotografías que editaba y exportaba. El sistema de embudo en forma de árbol me parece eficiente y si sabemos cómo funciona, aceleraremos en gran medida nuestro workflow consiguiendo trabajar más rápido.

En Xataka Foto | Capture One

Continuamos con nuestra serie dedicada a Capture One tras el primer episodio, dedicado al módulo de importación y organización de archivos. Hoy hablaremos del módulo de revelado que nos ofrece los ajustes básicos para nuestras imágenes como la exposición, el contraste o las curvas.

En el módulo de revelado que el programa llama 'pestaña de exposición', encontraremos la información y los ajustes básicos para trabajar con nuestras imágenes. Exposición, brillo, contraste o las curvas son algunas de las herramientas que más usaremos en este módulo.

Todas las herramientas y pestañas son personalizables y podemos ordernarlas como queramos dentro de cada módulo, e incluso podemos incluir herramientas de módulos diferentes. Por ejemplo, podríamos incluir la herramienta 'Enfoque' al módulo de revelado o quitar la herramienta 'Viñeteado' si ya sabemos de antemano que casi nunca vamos a usar esta herramienta. Todo esto es interesante para cualquiera que quiera personalizar su workflow y quiera organizarse las herramientas para no tener que estar pasando entre pestañas continuamente.

Ahora, pasemos a describir cada herramienta y sus funciones...

Histograma

Como ya sabemos, el histograma es una representación en forma de curvas, del porcentaje de píxeles correspondiente a cada zona: la derecha representa las altas luces, la izquierda las sombras y el centro los tonos medios. Es una representación, no una fórmula matemática perfecta y siempre debemos retocar en base a lo que vemos, no a lo que nos representa el histograma.

Exposición

• Exposición: La herramienta más importante para editar la luminosidad general de nuestra fotografía. Podemos ajustar a +- 4 stops y nos ofrece un ajuste similar al que conseguiríamos con la cámara haciendo uso de la información flotante del RAW. Es decir, que si tenemos una zona quemada a menos de 4 stops de diferencia probablemente podamos recuperarla con este slider.

• Contraste: Con el contraste, aumentamos la diferencia entre el punto más oscuro y el punto más claro de la imagen. Personalmente, aprecio que el contraste de Capture One tiene un procesado mucho más potente que el de Lightroom y ofrece un resultado especialmente denso.

• Brillo: El brillo, según Capture One, tiene una mayor incidencia en los medios tonos a diferencia de la exposición que tiene una mayor incidencia en los extremos. Normalmente consideraremos el brillo el 'hermano pequeñito' de la exposición, ya que si tenemos una zona muy quemada, conseguiremos recuperar la información mucho más fácil con el primero que con este.

• Saturación: El slider de la saturación nos permitirá potenciar o rebajar el color de nuestra fotografía.

Alto Rango Dinámico

• Altas luces: Con este slider, recuperaremos los tonos blancos, es decir, cuanto más aumentemos el valor, mayor cantidad de información del extremo derecho del histograma recuperaremos.

• Sombra: Esta herramienta me parece muy interesante porque la recuperación de las zonas más oscuras de la imagen es impresionante con una calidad estupenda, especialmente en zonas con mucho detalle como podría ser el pelo.

Curva

En Capture One 9 las Curvas se han mejorado, incorporando una curva de Luma. Esta prestación nos permitirá editar mediante una curva la luminosidad general de la fotografía. Es decir, el programa hace las modificaciones sobre una subcapa sin información de color, evitando que los colores se nos saturen cuando aumentamos el contraste, un problema que surge cuando saturamos a través del RGB.

Apretando la U se nos activa la herramienta 'Seleccionar punto de curva' que nos permitirá haciendo click en el tono deseado, añadir un punto a la curva para aumentar o descender su valor.

Claridad

• Método: Natural, intensidad, neutro o modo clásico. Cada tipo de claridad nos ofrecerá un tipo de algoritmo diferente que nos ofrecerá un resultado diferente.

• Claridad: A través de esta opción, seleccionaremos la intensidad con la que el filtro actúa. Esta herramienta, en general. Actúa generando un microcontraste en las zonas más detalladas lo que hace que, en un retrato, detalles como granos y poros queden más marcados.

• Estructura: Esta herramienta hace referencia a la intensidad del contraste en zonas muy definidas y geométricas. Por ejemplo, si usamos estructura en un retrato notaremos un cambio más sutil que si lo empleamos en una escena con edificios.

Balance de blancos

• Modo: A través del Modo y de forma muy similar a la cámara, podemos decirle a Capture One si queremos que el balance de blancos se quede como en la captura o si queremos que sea Flash, Tungsteno o Día nublado, entre otros.

• Kelvin: Si aún así vemos que no conseguimos un blanco neutro, podemos ajustar manualmente el balance de blancos en grados kelvin para conseguir el ajuste más fino posible.

• Tinte: Junto al ajuste en Kelvin, el tinte conseguirá que compensemos los verdes y los magentas de la imagen.

• Tono de piel: En la pestaña contigua, podemos establecer un balance de blancos acorde al tono de piel de la modelo e incluso crear los balances personalizados con un cuentagotas. Sinceramente, esta herramienta me parece confusa de usar por lo que prefiero no tocarla mucho.

Niveles

Para quien aún no lo sepa, los niveles son una curva de tres puntos. Sirve para ajustar de forma global las sombras, las altas luces y los tonos medios, pero ofrece muy poco control sobre el resultado final por lo que siempre será mejor emplear las curvas.

Los niveles son una forma rápida de 'corregir' los tonos. Dando una entrada y una salida, corregimos los tonos. Por ejemplo, si observamos que los grises se nos han oscurecido, podemos desplazar el puntero de los medios tonos hacia la izquierda, haciendo que los píxeles que estaban ubicados en una franja más oscura, ahora sean más claros. Hemos 'corregido' un grupo de píxeles oscuros para que ahora sean un poco más claros, iluminando la imagen.

Al igual que con las curvas, podemos modificar los canales RGB por separado, aunque aquí no contamos con un ajuste sobre el Luma.

Reducción de ruido

• Luminosidad: La luminosidad haría referencia a la cantidad de reducción de ruido que aplicamos. Aumentar este valor se supone que 'aplana' los tonos, eliminando los pequeños artefactos que se generan cuando disparamos a ISOs altos.

• Detalle: Este slider nos permite definit la cantidad de detalle que queremos preservar tras subir la luminosidad, ya que la herramienta anterior nos aplanará la fotografía y pequeñísimos detalles en la piel pueden verse afectados.

• Color: Color hace referencia no sólo a los artefactos del ruido, sino al color de los mismos. Por lo general esto salta mucho a la vista cuando hacemos zoom o recuperamos mucha información de las zonas en penumbra y que se manifiestan como pequeños píxeles de magenta y verde. Cuanto más subamos este slider, el ruido quedará mucho más monocromático y molestará menos.

• Un Pixel: Este slider está especialmente diseñado para aquellos amantes de las largas exposiciones. En ocasiones por defectos del sensor, podemos observar pequeños puntos blancos, algo así como 'píxeles muertos'. Como son muy fáciles de identificar y aislar, el programa incorpora un algoritmo con el que sencillamente haremos como si nunca hubiesen existido.

Viñeteado

• Cantidad: Con este slider podemos definir los EV que le damos al viñeteo. +2EV implicará que le estamos dando 2 exposure values a nuestro viñeteo, haciendo que las esquinas queden blancas. Si le damos -2EV, estamos realizando un viñeteo a negro de 2EV. Si somos un poco avispados nos daremos cuenta de que Capture One no ofrece un filtro radial para editar las esquinas de nuestras imágenes, pero esto puede hacer un apaño muy interesante.

• Método: Podemos elegir entre viñeteo creativo elíptico, viñeteo creativo circular y circular.

Y hasta aquí la segunda entrega de esta guía, dedicada al módulo de revelado. Cualquier duda, sugerencia o aclaración podéis preguntarla en el cajón de comentarios, así como cualquier idea acerca de las herramientas del programa.

En este tercer número continuamos con nuestra guía para Capture One , dedicado al módulo de color. En este número analizaremos una de las principales razones por las que Capture One es conocido como uno de los mejores software: la gestión de color. Veremos cómo funcionan y cómo usar las herramientas del módulo de color para conseguir el mejore resultado en nuestras fotografías.

Capture One y la gestión de color

Si por algo es famoso Capture One es por la efectividad de sus herramientas en la gestión de color. Mientras que con Lightroom nos es muy difícil procesar el color de forma precisa para terminar de ajustarlo en Photoshop, Capture One ofrece herramientas para trabajar el color de forma selectiva que resultan muy útiles y mucho más elásticas que Lightroom. Un ejemplo de ello son las curvas 'Luma' o el Modo Avanzado del Editor de Color.

A continuacion, vamos a ir describiendo las diversas herramientas que nos encontraremos en el módulo 'Color' de Capture One para saber qué hace cada una...

Características base

Además del histograma, una de las herramientas más importantes en Capture One se encuentra en estas características base. Mientras que en Lightroom se aconseja contrastar mucho la imagen porque en el RAW conseguimos una imagen muy plana, Capture One automáticamente nos ajusta un perfil ICC y una Curva de contraste según nuestra cámara y fotografía.

Así nos ahorramos trabajo ya que tan sólo tendremos que ajustar de forma fina el contraste con las curvas para tener nuestra imagen lista.

• Perfil ICC: A través del Perfil ICC podemos ajustar al milímetro la comunicación del color entre el ordenador y la cámara. Lo normal es que esta opción la dejemos por defecto ya que Capture One nos incrusta el perfil y la curva de contraste más adecuada a nuestra fotografía dependiendo de la cámara y el tipo d fotografía. También podemos importar un perfil completamente personalizado a través de la opción 'Importar' de este menú desplegable.

• Curva: Esta Curva hace referencia a la curva de contraste que automáticamente aplica Capture One según nuestra cámara.
  Disponemos de 'Película de sombra extra', que nos ofrece una recuperación de las zomas oscuras; 'Película de alto contraste', que aplica un contraste más agresivo, desplazando hacia los extremos las luces y las sombras; 'Película estándar', que ofrece un resultado más sutil y para finalizar tenemos 'Respuesta lineal', que ofrece un resultado grisáceo y plano con el que podemos trabajar de forma manual el contraste.

• Motor: En Capture One es posible cambiar el motor de procesado para usar versiones anteriores del programa. Con el paso de los años, hay fotógrafos o retocadores que prefieren el resultado que ofrece motores del programa anteriores. Salvo excepciones, lo normal es que usemos la última versión, en este caso, la 9.

Balance de blanco

• Modo: En relación al Modo del Balance de blanco poco hay que decir. Podremos ajustar los modos de balance, pudiendo elegir entre Luz Día, Nublado, Tungsteno y demás. A la derecha encontramos un cuentagotas con el que podemos seleccionar un blanco o gris neutro para realizar el balance con dicha muestra.

• Kelvin: Con este slider podemos escoger el Balance a través de los grados Kelvin. Cuanto más bajemos, más azulada quedará la fotografía, y cuanto más subamos mayores dominancias de naranja encontraremos.

• Tinte: Para complementar el Balance de blancos, disponemos del Tinte. Si desplazamos el slider hacia la izquierda daremos un tono verdoso a la imagen, mientras que si lo desplazamos a la derecha se lo daremos de magenta. Esta herramienta me ha sido especialmente útil con focos LED de mala calidad que suelen dar dominancias verdes en las sombras.

Balance de color

Con el Balance de Color se pretende equilibrar el color en la fotografía, evitando dominancias en las diferentes zonas del histograma, es decir, las sombras (Sombra), en los tonos medios (Medios Tonos) o en las altas luces (Altas Luces). Para emplar de forma efectiva esta herramienta, antes tenemos que observar la fotografía y detectar qué dominancias de color encontramos para subsanarlas a través de esta herramienta.

• Máster: A través del Máster controlaremos la tonalidad general de la fotografía. Es decir, si tengo una fotografía en la que tengo una dominancia verde general porque la modelo estaba cerca de una pared verde y ese color me ha inundado la fotografía, puedo intentar neutralizarlo punteando hacia el lado contrario, es decir, hacia el magenta. La pequeña ruedecita de la izquierda es con la que podemos determinar la 'fuerza' con la que aplicamos este ajuste.

• 3-Modos: En esta pestaña podemos hacer uso de las tres ruedas siguientes pero a la vez. El funcionamiento es exactamente el mismo y de hecho si realizamos un ajuste en esta pestaña, podemos ver que en la pestaña correspondiente, este ajuste se mantiene. Lo suyo es que realicemos un ajuste rápido y posteriormente lo detallemos consiguiendo el tono exacto en cada una de las pestañas dedicadas a cada rango. Con los sliders de los laterales podremos ajustar la fuerza de estos ajustes.

• Sombra: A través de la Sombra podremos ajustar de forma fina el tono y la intensidad de la corrección del color en los tonos más oscuros de la foto sin afectar al resto de la fotografía.

• Medios Tonos: A través de los Medios Tonos podremos corregir las dominancias que encontremos en la parte central del histograma. Como la piel de una modelo se enmarca en este rango, este será el que normalmente tendremos que usar cuando queramos corregir los colores de la piel, especialmente cuando disparemos en exterior.

• Altas luces: Aquí podemos realizar los ajustes de color pertinentes a las altas luces, que suelen ser zonas de alto contraste y con cierta predisposición a sufrir empaparse de colores inadecuados.

Blanco y negro

Si activamos la herramienta Blanco y Negro, la imagen se vuelve monocroma y se activan todos los sliders de colores en la parte inferior. Podemos usar estos sliders para modificar la luminancia y contraste de la fotografía, consiguiendo mejorar el contraste de la fotografía a través de los diferentes colores.

Aunque tenemos que usar esta herramienta para pasar a blanco y negro una fotografía, no es la que yo recomendaría para tratar los colores por separado ya que el Editor de Color ofrece un control mucho más preciso para esta tarea.

Editor de Color

El Editor de Color Avanzado es la herramienta estrella de Capture One. Es la última que encontraremos en el módulo Color y también la que más usaremos porque nos permite manipular los tonos de una fotografía al milímetro. Podemos trabajar seleccionando los rangos de color que más nos interesen en el Editor Básico, viendo en tiempo real el intervalo de color que vamos seleccionando e incluso podemos tomar y editar nuestras propias muestras de color a través del Editor Avanzado.

Básico

En esta herramienta encontraremos una rueda de color en la que podemos seleccionar los colores básicos pero además podemos ajustar la amplitud de la gama de colores que estamos seleccionando o la suavidad para establecer el degradado en la selección de colores.

• Suavidad: La suavidad hace referencia como ya hemos comentado, a la dureza con la que seleccionamos el color. A menos suavidad, más se nota el corte entre los diferentes colores que seleccionamos, mientras que si aumentamos la suavidad, la selección queda difuminada y más sutil.

• Rotación: La rotación hace referencia a la rotación del círculo cromático, cambiando el tono de un color. Si seleccionamos un verde, podemos hacer que rote hacia los cianes o hacia el amarillo de forma muy sutil y sin perder el tono base, pero con margen suficiente para corregir algún color que se nos haya desencajado.

• Saturación: La saturación nos permite establecer la saturación de un tono independientemente del resto de la fotografía. Si necesitamos un cielo más oscuro y azul, lo seleccionamos y con subir la saturación y bajar ligeramente la luminosidad lo tenemos arreglado. Junto a la luminosidad, podemos trabajar las pieles para enrojecerlas, palidecerlas o broncearlas de forma muy fácil.

• Luminosidad:Con la luminosidad trabajaremos el brillo de un color. Por ejemplo, si queremos tocar el tono de piel en un retrato y broncearla ligeramente, solo tenemos que aumentar el contraste y bajar la luminosidad.

Todos estos ajustes están disponibles si usamos 'Habilitar Blanco y Negro' para jugar con la luminosidad y la saturación de cada color por separado. De esta forma tenemos más control de los tonos que nos interesan con la contra de que tardaremos un poquito más en editar la fotografía.

Avanzado

Con el Editor de Color Avanzado, básicamente disponemos de un muestreador de color en lista con el que podemos aplicar los ajustes que hemos visto en el Editor de Color Básico. Este modo nos permite ir con un cuentagotas seleccionando los tonos que nos interese editar. Todas las muestras se guardan en una lista en el recuadro inferior para que las recuperemos cuando queramos. Por ejemplo, en una foto en exteriores podemos realizar selecciones precisas del cielo, el suelo, la piel de la modelo y la ropa que lleva de forma sencilla y lo más importante, muy precisa.

El Editor de Color Avanzado también sirve si activamos el modo blanco y negro y en este caso podremos editar los colores con mayor precisión que con el Editor Básico. El modo Avanzado esconde muchísimo potencial si lo usamos bien así que os recomiendo fervientemente que lo uséis hasta el tedio porque se le puede sacar mucho partido pero hay que saber usarlo bien.

Tono de piel

El último apartado al que nos referimos como Tono de piel es un Editor de Color Avanzado pero con nombre propio. Está dirigido a que tomemos la muestra del tono de piel para tenerlo a mano y que no se nos pierda entre todas las muestras que tomemos en el Editor de Color Avanzado.

Continuamos con el cuarto número de nuestra guía para Capture One para hablar hoy de las correcciones de lente. Veremos cómo nos beneficia la inclusión de un perfil específico a nuestro objetivo, cómo podemos mantener a raya las aberraciones cromáticas o para qué sirven los perfiles LCC.

Capture One y las correcciones de lente

Con las correcciones de lente perseguimos compensar las deformaciones y aberraciones que el objetivo fotográfico genera en situaciones difíciles en las que el contraste o la óptica degradan la imagen. Consideramos deformaciones al 'efecto barril' que hace que la imagen se abombe o se achate y aberraciones a esos artefactos de color que el sensor capta en situaciones de alto contraste.

Corrección de lente

En el primera apartado, Corrección de lente, encontramos dos pestañas: Lentes y Movimiento. En el primer apartado, Lentes, encontramos las siguientes opciones...

• Perfil: Capture One ofrece la posibilidad de incrustar un perfil específico para tu objetivo, pudiendo afinarlo con las demás opciones que nos ofrece.

• Aberración cromática: Permite activar o desactivar la corrección de aberraciones cromáticas. Para un resultado óptimo, debemos seleccionar los tres pequeños puntitos y darle a 'Analizar' para que la herramienta las detecte y corrija mejor.

• Ocultar áreas distorsionadas: Una herramienta sin mayor importancia que recupera o elimina unos cuantos píxeles según la distorsión.

• Distorsión: Con este slider podemos ajustar la distorsión de barril del objetivo para paliar la deformación. Si no estamos satisfechos con el ajuste automático, aquí podemos afinarlo.

• Disminución de nitidez: Como los objetivos tienen una mayor calidad en los centros que en las esquinas, este slider nos permite realizar algo así como una máscara de enfoque a las esquinas para contrarrestar este fenómeno.

• Disminución de iluminación: Este slider se supone que está destinado a compensar el viñeteado de un objetivo, pero me ha sido imposible activarlo, probablemente porque no me detecta el perfil de mi objetivo, un Tamron 17-50mm ƒ/2.8

LCC

• Crear LCC: El LCC, en inglés llamado Lens Cast Calibration es la calibración que se realiza con una carta específica y con el que podemos crear un perfil para nuestro objetivo en caso de que Capture One no lo reconozca.
  Podemos marcar 'Dominante de color' para intentar compensar las dominantes que pueda tener el objetivo, 'Eliminador de polvo' para una corrección automática de las motas o 'Activar luz uniforme' que generaría algo así como un HDR automático. Recomiendo desactivar todas las opciones porque todo esto es algo que podemos hacer a mano.

• Viñeteado: Esta opción de viñeteado hace referencia a la cantidad de luminancia que aportamos a las esquinas. Podemos añadir viñeta de compensación desliando el slider hacia la izquierda para añadir blanco, o añadir una viñeta creativa en negro deslizándolo hacia la derecha. Podremos elegir en 'Método' entre 'Viñeteo creativo elíptico', 'Viñeteo creativo circular' o 'Circular'.

• Halo púrpura: Con esta herramienta podemos mantener a raya las aberraciones cromáticas, concretamente las púrpuras que vemos en situaciones de altísimo contraste como puede ser la fotografia de metales.

En Xataka Foto | Cómo empezar con Capture One (III): Gestión de color

En este quinto número de nuestra guía para Capture One trataremos la pestaña Composición. Con esta herramienta, podremos controlar la relación de aspecto de nuestra fotografía, superponer una imagen con fines creativos o para incluir una marca de agua, e incluso podremos compensar las distorsiones horizontales y verticales propias de nuestros objetivos.

La composición en postproducción

Componer una imagen es una de las tareas principales del fotógrafo. Delimitar cada elemento en su sitio ocupando un porcentaje del fotograma es algo difícil de conseguir, especialmente si tenemos en mente que tal vez deberíamos dejar algo de aire por arriba y por abajo para recomponer la imagen, por ejemplo, en un 3:4.

Por eso disponemos de herramientas como las que veremos a continuación, que nos permite modificar la relación de aspecto o añadir una imagen superpuesta a nuestra fotografía a modo de marca de agua o con fines creativos. Comenzamos.

Recorte

• Relación: La relación de aspecto puede ser de muchas formas, podemos ir desde el 16:9 actual hasta el 3:4 que tanto se usa en las revistas o crear una relación de aspecto cinematográfica de 2.35:1. Si establecemos una relación de aspecto y con la herramienta Recorte damos doble click en la imagen, esta relación se aplicará inmediatamente..

• Tamaño: En la pestaña Tamaño podemos establecer directamente un tamaño en pulgadas, milímetros, centímetros o píxeles que queramos aplicar a nuestra fotografía. Esto nos permite un control muy preciso sobre el tamaño de nuestras imágenes, a pesar de que a través del menú de exportación podemos aplicar un recorte rígido sobre el tamaño.

• Cortar imagen por fuera: Si seleccionamos esta opción, cuando rotemos la imagen, quedarán trozos grises alrededor. Manteniéndola deseleccionada, se recortará la imagen pero siempre respetando que el 100% del cuadro contenga imagen. Es más fácil verlo que describirlo, así que haced la prueba.

Rotación & voltear

• Ángulo: El ángulo a la hora de rotar la imagen nos permite enderezar la fotografía. Es una herramienta muy empleada cuando el horizonte no está recto y necesitamos mantener las verticales realmente verticales.

• Voltear: Podemos voltear la imagen en horizontal o en vertical. Al voltearla, la orientación de la imagen se invierte, por lo que si una modelo se encuentra mirando hacia la derecha, podemos hacer que mire hacia la izquierda. El problema es que si hay letras en la fotografía, se leeran del revés y se delatará el volteo.

Perspectiva

• Vertical y Horizontal: Con estos dos sliders podemos controlar las distorsiones de la perspectiva, que no es la misma que la distorsión de barril. Aquí podremos más o menos equilibrar la imagen para que tenga una perspectiva correcta.

• Cantidad: La Cantidad hace referencia a la fuerza con la que se aplican las correcciones verticales y horizontales. Puede que no quieras aplicar mucha corrección pero quieras microajustarlo a través de este slider.

• Aspecto: Con Aspecto podemos estirar la imagen horizontal o verticalmente para cambiar un poco su relación de aspecto. Así, una imagen que por poquito no nos llegue a 16:10, podríamos estirarla un poquito para que termine de encajar.

Aunque no tienen una opción propia, os recomendaría echar un ojo muy seriamente a los controles de perspectiva horizontal, vertical y perspectiva. Son tres iconos que al clicar sobre ellos, activamos las herramientas para definir cuál es la perspectiva que queremos aplicar a nuestra imagen, que se calcula y corrige de forma automática.

Superposición

• Opacidad: Tras seleccionar un archivo que superponer, con el slider opacidad establecemos la relación de opacidad entre la imagen base y la superposición, desde 0 a 100.

• Escala: La escala hace referencia al tamaño de la superposición por encima de la fotografía base. Esto quiere decir que no es necesario superponer dos fotos a la misma escala, sino que podemos fusionar dos fotos con un tamaño diferente entre cada una.

• Vertical y Horizontal: Con estos dos sliders, como ya hemos visto, podemos modificar la perspectiva horizontal y vertical de nuestra superposición.

En Xataka Foto | Cómo empezar con Capture One (IV): Corrección de lente

Aprovechando la noticia de que Capture One se acaba de actualizar a su versión 9.1, aprovechamos para sacar otro número de nuestra guía de Capture One. En este número, os enseñaremos cómo funciona el bloque Detalles para que podáis enfocar correctamente vuestras fotografías, corrijáis el muaré o añadáis alguno de los diferentes granos de película que ofrece este software.

Navegador

El navegador, también presente en Photoshop, es una herramienta que nos permite visualizar la imagen en un pequeño cuadro sin posibilidad de hacer zoom. Es normal tenerlo abierto cuando trabajamos con mucho zoom ya que así sabemos exactamente en qué zona de la imagen estamos trabajando..

Herramienta de Foco

La herramienta de foto diría que es algo más completa que el navegador, y aunque el zoom mínimo sea del 25%, disponemos integrada la herramienta de foco que nos permite seleccionar un punto para poder comprobar que el enfoque es correcto. Esta herramienta podemos seleccionarla apretando F.

Enfoque

• Cantidad: Con este slider seleccionamos la intensidad con la que se aplica el enfoque. Normalmente conviene no usar de forma general el enfoque porque aporta un aire de artificiosidad a la imagen poco deseable.

• Radio: Con el radio seleccionamos el radio alrededor de los píxeles en los que se aplica el enfoque. Normalmente lo dejaremos en 1 o 2 píxeles.

• Umbral: El umbral determina la nitidez de los píxeles en los que se aplica el enfoque. Esto hace que solo se aplique a los elementos en foco para dejar elementos como un fondo con bokeh sin enfocar para evitar enfocar un desenfoque intencionado.

Reducción de ruido

• Luminosidad: Con la luminosidad determinamos la** potencia de la reducción de ruido a costa de perder detalle y tonos **. Lo normal es darle un valor prudente y comprobar el resultado viendo la imagen en general.

• Detalle: En el slider de detalle determinamos el nivel de detalle fino que queremos recuperar, ya que reducir el enfoque tiende a aniquilar detalles pequeños y los colores de la imagen.

• Color: Con Color podemos determinar más o menos el nivel de actuación de la corrección de ruido de colores característico de los sensores digitales.

• Un píxel: Con 'Un píxel', Capture One analizará la imagen para determinar píxeles muertos en la imagen y corregirlos. Esto es relativamente normal cuando realizamos largas exposiciones.

Grano de película

• Tipo: En 'Tipo' seleccionaremos entre grano fino, cúbico, tubular, rico en plata, suave o grueso. Cada uno ofrece un resultado diferente, pero personalmente prefiero el grueso, con un impacto moderado y una granulidad alta para que sea un ruido que se vea sin hacer zoom como un recurso creativo.

• Impacto: En el impacto seleccionamos la cantidad de grano que queremos en la imagen. Cuanto mayor sea el impacto, más presente se hace el grano.

• Granulidad: No disponible para 'grano fino', determina el tamaño y violencia del ruido que aplicamos. Si lo subimos, veremos que el grano es menos gris para pasar a ser más blanco y negro, con trozos de grano más grandes.

Muaré

• Cantidad y trama: Podemos intentar corregir el muaré con estos dos sliders. Capture One nos propone ir subiendo estos valores de forma pareja poco a poco hasta que el moire desaparezca. Una vez desaparecido, no debemos subirlo más.

Borrador de motas

• Mota: Con este controlador tenemos las motas que hemos seleccionado previamente con la herramienta borrar mota (C).

• Radio: Una vez seleccionada la mota que queramos, aplicamos un radio de acción, cambiando de tamaño. Una vez seleccionemos el tamaño deseado, el programa automáticamente detectará un cambio en el color y la textura de la imagen y borrará la mota automáticamente. Es posible usarlo para eliminar granos pero no es recomendable por la falta de control de la herramienta.

• Tipo: Podemos diferenciar entre Mota y Polvo, siendo Mota la más agresiva y la que más corrige.

Como siempre, aquí acabamos este sexto bloque. Cualquier sugerencia o duda podéis dejarlas en los comentarios o escribir al email.

Cuando editamos nuestras imágenes en el ordenador, muchos factores afectan a como evaluamos el brillo, contraste y los colores de nuestras fotografías. Aparte del monitor que estemos utilizando y su calibración (que te recomendamos encarecidamente que hayas calibrado), la luz del entorno en el que estemos trabajando afectará nuestra visión de las imágenes. Te damos algunas pistas para controlar este factor que muchas veces no tenemos en cuenta.

En líneas generales, la norma es trabajar en un espacio donde no haya una excesiva iluminación y que sobre todo, no afecte de forma directa a nuestra pantalla. La media de luz que tiene que haber en nuestro espacio de trabajo debe de situarse entre los 32 y 64 lux ¿Quieres saber cómo poder medirla? Haciéndote con un luxómetro la podrás medir de forma precisa.

El tipo de bombillas que deberíamos tener en nuestro estudio son fluorescentes de una temperatura de 5.000k. Es importante que cumplamos con la temperatura y no usemos bombillas de menor temperatura ya que es uno de los factores que más afectan a como vemos nuestras imágenes. Los focos de luz no deben situarse nunca frente al monitor ni de forma que incida de forma directa sobre su superficie.

Es importante que cuentes con una visera en tu monitor para asegurarte que no llegue ningún tipo de reflejo a tu pantalla. No te preocupes, no hace falta que te compres un monitor con visera, tu mismo puedes crearte una por un módico precio.

Es ideal que el espacio en el que trabajes tenga una tonalidad neutra, es decir, que sobre todo las paredes tengan una reflectancia inferior al 60% y a ser posibles que sean de tonalidad gris. Es importante también que a la hora de trabajar no lleves ropa de colores chillones, si puedes ir vestido de gris o negro, mejor.

Por último, una vez que tengas tu espacio de trabajo preparado en lo que a iluminación se refiere, es importante que calibres el monitor para la situación lumínica en la que vas a estar trabajando y que no la modifiques. Por ello es importante no trabajar junto a ventanales de luz, sino en lugares en los que las condiciones lumínicas sean siempre las mismas.

Foto de portada | Sam Wolff

Imagen de apoyo | Tim Sackton

Continuamos con Capture One para dedicar en este número a hablar sobre los ajustes locales. En esta ocasión no iremos punto por punto explicando cómo funciona porque es bastante sencillo de comprender, pero veremos las aplicaciones reales que tiene una herramienta de edición local en un programa de edición por lotes como es Capture One.

Capture One y los ajustes locales

Que un programa dedicado a los ajustes en lote ofrezca la posibilidad de realizar edición de forma localizada pudiendo pintar e incluso seleccionar colores específicos puede parecer una tontería pudiendo usar Photoshop. Lo que muchos entre los que me encuentro yo, no sabíamos, es que Photoshop no hace uso de la información flotante del RAW cuando lo exportamos en TIFF desde Capture One, es por eso que debemos realizar la mayor cantidad de ajuste con suficiente margen de maniobra como para dar el toque final en Photoshop.

Otra solución al procesado diferenciando las distintas zonas de la imagen podría venir realizando variantes de una misma fotografía. Así, dispondríamos de una variante por cada zona que queramos que tenga un procesado distinto. Por ejemplo, una variante con la exposición correcta del pelo, otra de la piel, otra de la ropa y una última para el fondo.

¿Cómo funcionan los ajustes locales?

Los ajustes locales, cuando accedemos a su bloque correspondiente, nos podremos fijar en que en primer lugar encontramos una herramienta llamada 'Ajustes Locales' que se asemeja mucho al visor de capas de Photoshop. Para añadir capas, tan sólo necesitamos darle al símbolo con forma de pincel en la esquina inferior de la herramienta para crear una nueva capa.

Dentro de esta capa, podremos pintar con el pincel directamente sobre la imagen. Si pintamos y observamos que no hay una mancha roja que nos indique la selección que llevamos realizada, con apretar la tecla M aparecerá la selección que tenemos hecha.

Podemos crear nuevas capas con el símbolo positivo y quitarlas con el símbolo negativo. El gran problema de esta herramienta es que es un poco ortopédica ya que aunque crear capas no suponga un problema, realizar las selecciones con una herramienta tan básica como un pincel es poco preciso y se tarda mucho tiempo en conseguir una selección correcta. Para realizar selecciones realmente precisas tendremos que recurrir a Photoshop para usar herramientas como Gama de Colores o la Pluma.

En cualquier caso, en la parte inferior disponemos de ajustes básicos como los que encontramos en la pestaña de Exposición también conocida como el módulo de revelado. Aquí podemos hacer que cada capa tenga unos ajustes: por ejemplo, mayor exposición para el pelo, bajar la saturación del cielo o darle claridad a los ojos y la boca de nuestra modelo.

Darktable es un programa de licencia GNU de edición fotográfica y gestión de RAWs disponible para todos los sistemas operativos. Recientemente, añadió a sus herramientas el licuado como un nuevo módulo que dispone de tres modos inteligentes con los que trabajar. Lo raro, pienso, es que Adobe no haya mejorado ya una herramienta tan importante, que tan sólo cuenta con Deformar, Molinete, Desinflar e Inflar.

Como decíamos, es raro que Adobe no haya dotado de más opciones a su herramienta de licuado, cuando es una de las herramientas más empleadas para arreglar pequeños detalles y estilizar la figura de cualquier persona que se pone frente a un fotógrafo de forma seria. En la gran mayoría de ocasiones, el licuado es simplemente una herramienta usada para corregir pequeños detalles y de hecho se suele usar de forma discreta porque si no se usa bien puede quedar francamente mal.

Ahora, Darktable incorpora esta nueva herramienta a su arsenal con tres modos: punto, línea y curva. Veamoslos detenidamente...

Punto

El modo Punto es el clásico, el que todos conocemos de Adobe. En este caso, se integra en una misma herramienta los tres modos principales que nos ofrece Photoshop.

• Linear: Desde un punto central, movemos la imagen, deformándola.

• Crecimiento radial: La figura se infla desde el punto central, perdiendo el efecto conforme nos acercamos a los bordes. El resultado es un mayor volumen.

• Decrecimiento radial: La figura se desinfla desde el punto central, perdiendo el efecto conforme nos acercamos a los bordes. El resultado es un menor volumen.

Línea

Aquí las cosas se ponen interesante. En este caso, hablamos del modo Línea. En este caso, Darktable nos permite poner 'nodos' de forma que se quedan interconectados por subnodos interpolados. Cuando movemos los nodos, éstos ajustan el resultado a un efecto similar al que conseguimos con el Punto Linear, pero afectando a un área interconectada.

Darle click derecho en un segmento eliminará la figura completamente, mientras que Ctrl+Alt+Click en un segmento lo cambiará a un segmento de Curva.

Curva

En el modo Curva observamos que en lugar de una línea recta, trabajamos con una línea curva. La filosofía es la misma, a un trazo dado se le interpolan sub-nodos que actuarán en consecuencia de lo que le digamos al nodo 'madre'.

Darle click derecho en un segmento eliminará la figura completamente, mientras que Ctrl+Alt+Click en el segmento lo cambiará a un segmento de Línea.

En este modo las opciones se amplían, porque cuando trabajemos con dos puntos bezier. Podremos trabajar en hasta cuatro modos que cambiaremos dandole Ctrl+Click en los 'nodos madre'.

• Autosmooth: los puntos darán siempre una curva suave, es el modo por defecto en el que se construyen los nodos en el Modo Curva.
• Cups: Los puntos pueden moverse de forma independiente.
• Smooth: Los puntos de control se suavizan, dando una curva suave.
• Simétrico: Activando este modo, los puntos de control siempre se moverán de forma simétrica.

Sitio Oficial | Darktable

En esta ocasión, dedicamos el octavo número de esta guía para Capture One detallando las opciones de los módulos 'Ajustes' y 'Metadatos', que nos ayudarán a crear presets de ajustes personalizados que podremos aplicar a varias sesiones fotográficas o cómo organizar nuestra librería añadiendo palabras clave, entre otras muchas prestaciones.

Ajustes

El módulo ajustes es un modo que sólo emplearemos básicamente para seleccionar los ajustes que queremos aplicar a un lote de fotografías. Lo más normal es que después de editar una fotografía, queramos traspasar este procesado al resto de fotografías de la sesión si hemos empleado la misma luz. Para ello, podemos hacer uso de 'Estilos y Ajutes' para guardar y aplicar estos ajustes en diferentes Sesiones o podemos simplemente ajustar, copiar los valores y jugar con el portapapeles para seleccionar lo que nos interesa copiar.

Estilos y ajustes

Al abrir el menú desplegable de 'Estilos y ajustes' observaremos diferentes herramientas como 'Guardar estilo de usuario...', 'Borrar estilo de usuario...' o 'Importar' estilos empleando un archivo previamente guardado en nuestro ordenador.

Además, tenemos una serie de estilos predefinidos, que podemos encontrar en 'Estilos incorporados' y 'Ajustes incorporados' en este mismo menú desplegable. Vienen por defecto con el programa y podemos reajustarlos para afinar el resultado cuanto queramos.

Portapapeles de ajustes

El portapapeles de ajustes puede parecer una herramienta demasiado complicada para el uso que se le dá, pero es extremadamente importante saber usarla cuando queremos aplicar ajustes a un lote de fotografías.

Cuando seleccionamos una fotografía y apretamos 'Copiar' aparecen los ajustes y metadatos que tenemos actualmente en la imagen y que podemos pegar a otra fotografía. Si desticamos el recorte, cuando vayamos a otra fotografía y pinchemos en 'Pegar', se aplicarán todos los ajustes menos el recorte.

Normalmente si queremos un procesado idéntico en dos fotografías, realizaremos los ajustes pertinentes en una fotografía para copiarlos a continuación con el botón correspondiente o con Ctr++Shift+C y seleccionando varias fotografías, apretamos el botón correspondiente o Ctrl+Shift+V y pegamos los ajustes.

Metadatos

En el bloque de Metadatos observamos que disponemos principalmente de la gestión de palabras clave y metadatos IPTC de la imagen que tenemos seleccionada en ese momento. Primeramente encontraremos la herramienta para añadir palabras clave así como una biblioteca de las mismas, y a continuación encontraremos decenas de campos de metadatos que podemos rellenar e incrustar en nuestras fotografías.

Palabras clave y Biblioteca de palabras clave

Esta herramienta nos permite añadir palabras clave de forma rápida. Podemos ir tecleando palabras sueltas para añadirlas a las fotografías seleccionadas en ese momento o podemos escribirlas seguidas de comas para añadir tres o cuatro de golpe. Todas las palabras que añadamos a las fotografías quedan registradas en la Biblioteca de palabras clave, que siempre mostrará las palabras clave de la sesión y las cuales podemos ir filtrando a nuestra conveniencia.

Es una herramienta potente pero tediosa de manejar porque especialmente si tenemos un archivo fotográfico grande, necesitamos ir añadiendo las palabras clave de forma manual. Lo mejor es que una vez las añadamos, quedarán a nuestra disposición para filtrarlas escribiéndolas en la biblioteca o podemos crear un álbum inteligente para filtrar las fotos por aquellas que tienen una palabra clave pero excluyendo las que tienen otras. Por ejemplo, podríamos filtrar las fotos por aquellas que contengan la palabra clave 'playa' pero excluir las que tienen 'arena' o 'sombrilla'.

Metadatos

En la parte de metadatos, obviando las herramientas más empleadas como las etiquetas de color o la clasificación por estrellas, lo más interesante es hablar de los metadatos IPTC, que es el estándar que se usa en prensa aunque también se puede emplear para cualquier tipo de negocio, aunque la parte aburrida es que hay que rellenarlos con cada lote de fotografías.

También es posible filtrar usando estos metadatos mediante un álbum inteligente estableciendo que sólo se muestren las fotografías según su creador, o la ciudad en la que se tomó la imagen.

En Xataka Foto | Cómo empezar con Capture One (VII): Ajustes locales

Joshua Hoffine es un fotógrafo de Kansas conocido por sus terroríficas composiciones reales que nos remiten al mundo de las pesadillas y los cuentos populares. Monstruos, zombis, brujas e incluso Jack El Destripador han sido objeto de sus perturbadoras creaciones que deleitarán a los amantes de sagas de terror como SAW o Destino Final. Actualmente se encuentra en un Kickstarter para publicar sus fotografías en formato libro.

Joshua Hoffine, el fotógrafo del terror

Sin duda el trabajo de Joshua llama la atención por el uso visceral y crudo del terror, además de un inusual colorido en escenarios y personajes. No tiene reparos en hacer uso de los efectos especiales para mostrar a un Jack El Destripador desmembrando a una víctima, a un siniestro niño reptiliano llevando una máscara de gas o a una siniestra dama de los zombis alzando a un cementerio entero.

Fotografía de Joshua Hoffine

Sus fotografías podemos ver que encuentran su base en los cuentos populares y referentes como Lovecraft, similares a los que se contarían en la clásica festividad de Halloween. En el making of de una de sus últimas fotografías, 'INNSMOUTH' inspirada en la novela 'Shadow Over Innsmouth' de Lovecraft podemos ver el método de trabajo de Hoffine, que opta por la producción real con decorados y caretas esculpidas en latex por encima del trabajo digital para componer sus imágenes.

Fotografía de Joshua Hoffine

Black Lullaby

Joshua Hoffine lleva desde 2003 realizando este tipo de fotografías, logrando viralidad en Internet y convirtiéndose en un referente desde 2008. Recientemente se ha inmiscuído en el territorio cinematográfico estrenando BLACK LULLABY, un cortometraje de temática y estética muy parecida a sus fotografías que los amantes del cine disfrutarán.

Sitio Oficial | Joshua Hoffine

Giuseppe Pepe es diseñador gráfico de origen italiano pero afincado en Ibiza que ha creado el proyecto #LoosingMyMind en el que decapita a los igers que quieran formar parte de su proyecto. Este interesante proyecto pretende reflexionar sobre lo que es verdad y mentira, que el autor describe como un proyecto 'anti-beauty'

Fotografía de Giuseppe Pepe

Pepe describe #LoosingMyMind como un proyecto en el que pretende desmontar todas esas fotografías que de improvisadas no tienen nada: son imágenes diseñadas y fotografiadas para atrapar la retina del espectador y hacer que dé su like o un valioso follow. Cada escenario, cada pose o ese pequeño accesorios que aparece en la foto puede estar patrocinado.

Fotografía de Giuseppe Pepe

Para poner de manifiesto toda esta parafernalia tras la cámara, Pepe 'decapita' a los igers que quieren formar parte de este proyecto, manipulando la fotografía y creando un resultado igual o más llamativo que el original. ¿Son los fotógrafos de hoy unos 'cabezas huecas'? ¿vive la fotografía un periodo 'vacío' donde no se buscan discursos un poco más trascendentales? ¿es posible encontrar fotografías con discurso en una plataforma como Instagram?

Podéis ver el grueso del proyecto de Giuseppe a través de su página web, su muro de Instagram o su página de Facebook.

Sitio Oficial | Giuseppe Pepe

Muchos de los fotógrafos que apenas llevemos un lustro en esto de tomar imágenes hemos empezado a fotografiar mientras leíamos en blogs y foros que "lo más importante de una foto está en el retoque", "no te preocupes por una mala foto, luego en el retoque gana mucho". Estas frases hay fotógrafos que se las creen y las perpetúa vomitándolas al más puro estilo cuñado, pero la realidad es que para tomar mejores fotografías lo más importante es entrenar nuestro ojo y no aprender a retocar: empaparnos de referentes y conocer a fondo elementos tan básicos como el encuadre, la iluminación y el color.

La verdadera dimensión del retoque

El retoque fotográfico se encuentra sobrevaloradísimo. Muchos fotógrafos lo emplean como un 'todo vale' cuando no es así: a cada fotografía le encaja un estilo de retoque y si pretendes procesar una puesta de sol en blanco y negro porque te gusta eres libre de hacerlo pero así tan sólo demuestras una profunda ignorancia sobre la técnica fotográfica. Una fotografía casual no se va a convertir en una buena fotografía por muchos plugins de procesado de color que utilices. No te agobies, piensa más allá la próxima vez y mejora paso a paso.

La ansiedad por conseguir una buena fotografía hace que nos confundamos y no pensemos en los por qués: ¿por qué hago esta foto? ¿qué quiero contar con ella? ¿este tipo de retoque se corresponde con el tipo de fotografía que quiero conseguir? ¿los volúmenes visuales de la fotografía encajan armónicamente entre ellos? Fotografiar situaciones casuales y sin criterio hace que generemos una imagen sin sentido, en el que los elementos no encajan entre sí ni se elabora un discurso sobre el por qué hemos tomado una imagen o por qué hemos dispuesto los elementos de esta forma y no de otra.

Fotografía de René Burri

El retoque no es ni remotamente importante en una fotografía, lo realmente importante está en los 30 centímetros detrás de la cámara, como diría Ansel Adams. Todos los elementos de una fotografía deben tener sentido y enmarcarse no sólo en nuestra situación actual sino en los referentes que manejamos: ¿estamos realizando fotografías de corte clásico en estudio como uno de los retratos de Irving Penn? ¿queremos conseguir una iluminación policial a lo Terry Richardson?

Fotografía de Ansel Adams

Como he dicho, cada tipo de fotografía tiene su tipo de procesado y no podemos ignorarlo conscientemente. Podemos emplearlo, modificarlo con criterio y amoldarlo a nuestro estilo a lo largo del tiempo; un estilo en el que debemos trabajar no años, sino décadas, para conseguir llegar y perfeccionarlo a través de la experiencia y del entrenamiento del ojo, empapándonos del trabajo de otros fotógrafos. Cuanto más sepamos sobre nuestro contexto fotográfico e histórico, más y mejor podremos realizar nuestro trabajo

La importancia del bagaje visual

El bagaje visual es la parte más importante en la toma de una fotografía, que se fermenta antes de apretar el disparador por primera vez. De hecho, empieza antes de que te compres tu primera cámara: has visto imágenes que te gustan o que te han impactado y una pasión por crear objetos inmortales como esos te ha llevado a dedicarte a la fotografía profesionalmente o al menos quieres tomar buenas fotografías de aquello que te rodea.

Fotografía de M Kemal

Empaparnos de imágenes de otros con espíritu critico y analítico hace mejorar nuestra autocrítica, empuja nuestros límites creativos y nos envalentona a probar cosas nuevas. El tiempo que perdemos en encontrar el look instagramero ideal podríamos aprovecharlo mucho más investigando los estilemas que caracterizaban a otros grandes fotógrafos como Martin Parr para ver cómo otros fotografos le sacan partido a un día de playa.

Investigar la forma de pensar y trabajar de grandes fotógrafos nos ofrece no sólo una imagen psicológica de un fotógrafo sino también de cómo trabaja porque realizar una fotografía es un acto tremendamente personal en el que incrustamos nuestra propia huella psicológica. Asuntos tan profundos como la relación que tenemos con respecto a quien estamos fotografiando quedan impregnados en la imagen si sabemos leer estas claves.

Fotografía de Nancy

En definitiva, ningún retoque es lo suficientemente bueno para hacer una buena imagen de una mala fotografía y a su vez una buena fotografía apenas necesitará retoque para terminar de encajar detalles, lo que se traduce en menos tiempo delante del ordenador y más tiempo para seguir produciendo fotografías. El bagaje visual adoptado con espíritu abierto, crítico y analítico probablemente sea una de las cualidades más difíciles de conseguir y perfeccionar para un fotógrafo y esto se traduce directamente en mejores fotografías porque la fotografía no se realiza en el postprocesado, sino desde el momento en el que decidimos dedicarnos a la fotografía para crear y compartir nuestro trabajo.

En XatakaFoto | Por qué quejarse del retoque con Photoshop es una absoluta estupidez

Picturesqe es un programa relativamente novedoso que se centra en una etapa importantísima de la postproducción fotográfica que es ayudarnos a elegir y filtrar las mejores fotos de una sesión. Funciona a través de parámetros técnicos para ayudarnos a encontrar filtrar las fotos trepidadas, nos ordena las fotografías analizando los colores y los volúmenes de cada imagen y nos ayuda a descartar las que no nos interesan comparándolas.

Picturesqe es un programa que a través de un motor de análisis de imagen es capaz de indicarnos las mejores fotografías de una sesión. Puede sonar muy ambicioso, pero realmente lo que nos indica es que las fotografías tienen buena calidad técnica y nos califica de forma desfavorable las que están desenfocadas o no tienen una exposición correcta. Es decir, que a través de su motor detectará y calificará las malas fotografías para que nos demos cuenta de que esa fotografía tiene pocas probabilidades de pasar un primer filtrado técnico.

Importación, Selección y Exportación

Importación

Básicamente funciona de forma muy simple: se importan las fotografías de forma local, es decir, se crea una copia de tus fotografías en Picturesqe y se analizan. Según el volumen de fotografías, es posible que el primer paso tarde varios minutos.

Selección

En el segundo modulo llamado 'Select', tenemos un mosaico con todas las fotografías y una barra lateral que nos recita los detalles técnicos de las fotografías conforme las vamos pasando. Si dos fotografías se parecen mucho, el programa las agrupa porque entiende que hemos hecho varias tomas de una misma situación con pequeñas variaciones por lo que nos las agrupa para elegir la definitiva.

Si seleccionamos un grupo, podemos entrar para ver las comparaciones y cuando realizamos zoom con la rueda del raton, las fotografias sincronizan el zoom hasta el 200% para que veamos la misma porción en todas las fotografías.

Exportación

Tras la selección y el descarte de fotos, podemos exportar las fotografías en su archivo original, en JPGs o pasar la colección de fotos a Adobe Lightroom. Las opciones no son muchas y hay muy poco control sobre el cómo se exportan los archivos.

Premisas buenas, pero poco exploradas

En mi opinión, el programa tiene premisas muy buenas. El agrupamiento de fotografías muy parecidas es una idea genial, pero falla en que aún no está pulido ni ampliado lo suficiente más que para ser un plugin de Lightroom, no un programa independiente.

Para quien no quiera dejar sus programas habituales, Lightroom o Capture One ya cuentan con herramientas como las Colecciones o los Álbumes que nos permiten organizar bastante eficientemente nuestras fotografías antes que usar un programa dedicado a este propósito.

Quien quiera probarlo puede hacerlo a través de su sitio oficial a través de una versión de prueba y quedárselo por 10 dólares al mes, 15 al trimestre o 40 al año.

Sitio Oficial | Picturesqe

Trabajar el color en nuestras fotografías con un mínimo control no debería ser un quebradero de cabeza. Tanto si vamos a imprimir como a usar las imágenes en la web (o visualización en pantalla, en general) deberíamos tener un par de conceptos básicos que nos permitan retocar nuestras fotos para conseguir que los tonos que queremos se muestren como tal en la imagen final. Hoy hablaremos de los perfiles de color y cómo gestionarlos de forma básica a través de cualquier ordenador.

En primer lugar, la calibración

Calibrar el monitor en el que vamos a retocar nuestras fotografías es fundamental. No existen excusas: desde un ordenador portátil hasta nuestro nuevo monitor con un 99% de AdobeRGB deben ser calibrados. Prácticamente todas las pantallas son capaces de reproducir el 100% de sRGB que es el que se emplea para web así que deberíamos tener una pantalla que nos permita como mínimo poder visualizar las imágenes en otra pantalla.

Perfiles de color: ¿asignar o convertir?

La gestión de color en Photoshop se realiza de dos formas: asignando un perfil o convirtiendo el perfil que estamos trabajando. Podemos acceder a estas opciones a través de Edicion > Asignar perfil... o Convertir en perfil...

Si asignamos un perfil a una fotografía estamos cambiando la visualización del color sin cambiar los números internos. Por ejemplo, si hemos tomado una fotografía en AdobeRGB pero sabemos que nuestra foto va a ir a la web en sRGB, yo siempre asigno el sRGB cuando empiezo a trabajar; así, sigo trabajando con toda la información del AdobeRGB pero viendo cómo va a quedar la imagen final ya que si seguimos trabajando en Adobe, al convertir la fotografía a sRGB nuestros tonos van a variar para acoplarse al espacio de color.

Si convertimos a un perfil, estamos viendo y cambiando la información interna de la fotografía al perfil que hemos elegido. Es decir, que si trabajamos en AdobeRGB y convertimos a sRGB estamos 'cortando' la información que sobra del sRGB y ya no podemos trabajar más con ella. Por este carácter destructivo de la información, la conversión deberíamos usarla tan sólo cuando hayamos terminado de editar la fotografía y tras comprobar con la asignación del perfil que todos los tonos son correctos a lo que queremos que se vea.

¿Y para CMYK?

Este proceso debemos realizarlo igualmente si vamos a imprimir, sólo que con el perfil CMYK que corresponda. Así podremos retocar una imagen para que al imprimirla los colores de la pantalla se correspondan con lo que vemos el papel o al menos haya una desviación lo más pequeña posible.

Acciones para asignar y convertir

En definitiva, asignar y convertir son dos opciones muy importantes a tener en cuenta: asignar el perfil que tendrá definitivamente para visualizar correctamente los tonos finales que tendrá la fotografía y convertir en el último momento con todas las modificaciones hechas para asentar todos los cambios.

Yo suelo realizar esta tarea con acciones: tengo una para asignar el perfil que suele ser sRGB y una segunda acción para convertir defintiivamente en sRGB, guardar un JPG al máximo de calidad y deshacer la conversión para recuperar el AdobeRGB original.

Y tú,¿cómo trabajar los perfiles en tus fotografías? ¡Puedes comentar lo que te apetezca en la caja de comentarios!